ELEONORE DE MONTESQUIOU

janvier 2012

2010-04-02T08:21:00.000-07:00

International Film Festival Rotterdam

the films "Remember" and "Radiotehnika"

have been selected for the

41st International Film Festival Rotterdam 25 January - 5 February 2012

the film "Parole à la femme" will also be screened at IFFRotterdam, presented by Arsenal distribution

see: http://www.filmfestivalrotterdam.com

"Parole à la femme"

sera projeté le 20 novembre - 16h

Centre Pompidou, Cinéma 2

Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid se dérouleront à Paris du 18 au 26 novembre 2011 au Centre Pompidou et à la Gaîté Lyrique.

"Kalamees"

"Naine"

"Gazette"

at KENYA INTERNATIONAL FILM FESTIVAL

Nairobi, Kenya

October 2011

see

http://www.kifftrust.org/

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4th Moscow Biennale

“Afghan”-Kuzminki. Human Oratorio.

Curator: Andrey Parshikov

Organizer:

Gallery Victoria, Samara

Artists:

Keti Chukhrov, Sergey Bratkov, FFC (Factory of Found Clothes), Thea Gvetadze, Alexander Vinogradov and Vladimir Dubossarsky, Yakov Kazhdan, Irina Korina, Taus Makhacheva, Boris Mikhailov, Eléonore de Montesquiou, Nikolay Oleynikov, Alexandra Paperno, Ksenia Peretrukhina, Mladen Stilinović, Olga Chernysheva, Dmitry Vlasik, Oliver Ressler

Place:

Theatre.Doc

Date:

September, 25

Text:

The situation that has come about currently in contemporary art is totally repressive due to the exhibition format with resulting consequences visible in museum, gallery, and exposition projects. The art community is looking for alternative forms of re-presentation in order to break free from outdated frameworks. Large projects are facing a crisis, and this has been talked up and down in discussions about mega shows, not least those, such as biennale and other grand art forums, which are coming round to the idea that the very principle of 'exhibiting' no longer meets contemporary challenges in the culture community. Thus, the search for a way out is reaching a critical point.

The Afghan-Kuzminki project is based on the subject and text of a dramatic poem by K. Chukhrov and is an attempt to merge the exhibition format with a linear, dramatically organised timeframe coupled with dynamic action. During logical pauses, with musical accompaniment to the play/performance on stage, there is a display of contemporary visual art selected by the curator, organisation directors and participants. This is a work of synthesis whereby artists, composers, directors, performers and theoreticians co-operate. By creating a production that converges with theatre, music and contemporary art, the producers are bringing to fruition the possibilities of alternative means of expression for contemporary critical visual culture. The premise is that the traditional exhibition format by its very construct appeals to the viewers’ intellect, while the theatre format is taken on more as a sensuous experience. It is particularly this space between the branches of contemporary culture that creates a need for the high-brow and at the same time hard social, agenda-charged narrative created by the musical performance of K. Chukhrov's dramatic poem. Here a further plane is added: the necessity of "delivering" art objects to the stage. Everything taking place on the stage becomes, as it were, an act that is part of the production.

Naturally, Afghan-Kuzminki is an unpredictable experiment. The placing of artistic objects in a dramatic structure simultaneously includes them in theatre as, in the words of E. Grotovski, "the art of performance". One may say that viewers themselves by their very presence in the hall lend the art production displays a certain content in a definite chain, and it is vitally important here that the arrangement of visual displays meaningfully combines with the dramatic performance of K. Chukhrov. This project could have been called contemporary oratoria with its synthetic genre conjoined with social, musical and visual dimensions. It is horizontal in relation to the viewer and, as opposed to the exhibition format, it beneficially reduces the distance between the transmitted experience and subject. Afghan-Kuzminki is a project directed at viewers, thereby giving them the opportunity to sense and feel that they are part of an artistic act. One might say that the project aims for viewers' personal self-discovery through art space.

From the point of view of a contemporary theatre conscious of itself as “post-dramatic” and taking steps in various directions from traditional drama theatre, the Afghan-Kuzminki project is an equally important experiment. Theatre is now in dire need of a re-think within itself of what constitutes contemporary art. For theatre, the transport of contemporary art onto the stage area is not unlike a new lease of life for visual culture which is practically absent there. Viewers are ready for the depth and topicality of the language spoken in contemporary art, but which has yet to be integrated into theatre. On the other hand, contemporary art is also going through another stage of dehumanization. So, Afghan-Kuzminki aims at being an actually necessary experiment not only in a key of formality, but in a research key as well.

Andrey Parshikov, Ksenia Peretrukhina

Special Thanks:

Keti Chukhrov, poet and composer of the Oratorio

Lyudmila Patrati, director of “Victoria” Gallery

Mikhail Ugarov, head of the Theatre.Doc

http://4th.moscowbiennale.ru/en/program/special_projects/afgan_en.html

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SURVIVAL KIT

8-18 sept. 2011

Riga

presentation of the film and newspaper RRR a close collaboration with
Agnese Luse, Mara and Galina Traumane, Ineta Sipunova, Rihards Brazinskis and Raitis Upens

The film RRRand the newspaper allow me to reflect on the imagery of Soviet times, the well known imagery of Soviet factory and the social privileges that this environment granting those its workers. It is important here to remember the nostalgia and the instability that those who lost their jobs and their privileges feel today and to remember that factory newspapers were propaganda tools monitored and censored by the Communist Party.
_coordinates_
September 8th-18th, Riga, Gertrudes St. 32
_definition_
SURVIVAL KIT is contemporary art festival: exhibitions, events, lectures, discussions, encounters and impetus for reflections.
_history_
SURVIVAL KIT is an international contemporary art festival that was born in 2009 as a reaction to the changes the economic crisis had wrought in Latvia. The SURVIVAL KIT festival is organised by the Centre for Contemporary Art as an annual call for artists and spectators to observe, comment and act, focusing their attention on a different subject every year. Previous editions of the SURVIVAL KIT festival have been about seeking survival strategies that would offer creative and useful solutions to help overcome the crisis.

see: http://www.survivalkit.lv/?section=about-survival-kit

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The lay of the land

STREET ROAD, in Western Chester County, Pennsylvania

curated by Emily Artinian
with Jake Clark, Eléonore de Montesquiou,
Vram Hakobyan, Tom Sowden and Fadi Sultagi

September 8 - November 17, 2011
private view September 8th, from 5 to 7.30pm

http://www.streetroad.org/

Our inaugural exhibition features works which explore the ever shifting boundaries and meanings of place over long periods of time:

The 2004 documentary, Par Exemple, Ebenthal, by Berlin-and-Estonia-based artist Eléonore de Montesquiou considers the relationship of farmers to their home and land in the suburbs of growing cities, drawn from the example of Ebenthal, a suburb of Klagenfurt in Austria.

UK artist Jake Clark, whose interview with Articulated Artists can be found here, shows six paintings of English and Californian seaside houses. His suburbia is an Americanised and nostalgic look at the formal aspects of the bungalow, for him a banal subject that provides structures and colours to make paintings from. Jake has worked with these themes for a number of years, and the work embodies some uncanny resemblances to the Street Road structure itself.

One Gasoline Station, by Tom Sowden (based in Bristol, UK) is an homage to 'Twentysix Gasoline Stations', the influential 1960s artist's book by American conceptualist Ed Ruscha, and an intentionally British take on Ruscha’s American subject matter.

UK based architect Fadi Sultagi’s photography and narrative exploration of The Sanctuary of Bel, Palmyra traces resonances of past civilizations in modern day Syria, his native land. Sultagi's work investigates ways in which architecture exists and is created through fictional stories, and correspondingly considers how one might create an alternative guide to Syria, prioritising the experiences and knowledges of local populations.

Yerevan-based photographer Vram Hakobyan turns his lens variously to the medieval cemetery of Noratus, near lake Sevan in Armenia, with its hundreds of khachkar-cross-stones, to ruins of the 11th-century Armenian monastery complex of Marmashen, and also to a twentieth century Soviet housing block in Tblisi, Georgia.

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Our house in the middle of our street

Maison des Arts de Malakoff
105, avenue du 12 février 1934 - 92240 Malakoff
voir: http://maisondesarts.malakoff.fr/agenda/exposition

Commissaire invitée : Jeanne Susplugas
Avec : Véronique Boudier, Katia Bourdarel, Olaf Breuning, Mathieu Cailotto, Luisa Caldwell, Liv Carlé Mortensen, Isabelle Cornaro, Alain Declercq, Marie Degueuser, Florence Doléac, Nathalie Elemento, Ethan Hayes-Chute, Helmut Grill, Lise Harlev, Sigalit Landau, P. Nicolas Ledoux, Claude Lévêque, Mathieu Mercier, Annette Messager, Eleonore de Montesquiou, Hans Op de Beeck, Lucy Orta,Paulette Phillips, Jean-Pierre Raynaud, Torbjorn Rodland, Jeanne Susplugas, Rémi Uchéda, Erwin Wurm, Duncan Wylie, Brigitte Zieger

Nombreux sont les artistes qui s’intéressent aux espaces en général, à la maison en particulier. Cet espace que l’on habite et qui fait des hommes une espèce à part – l’abri devient habitat. La maison devient le prolongement du corps et le lieu de tous nos états. L’homme s’identifie au lieu qu’il habite, miroir de nos émotions, nos angoisses. Ne dit-on pas d’ailleurs notre « intérieur »?
Identification qui se traduit à travers nos tics de langage : face à un danger imminent il y a « péril en la demeure » ; dans la confusion on ne sait plus « où on habite »… Les limites du corps se confondent alors avec les limites spatiales du logement. Lieu de protection, d’enfermement, d’aliénation, de peur, de fantasmes, représentation du pouvoir… autant d’aspects que les artistes questionnent à travers de riches oeuvres aux média très divers.

Exposition présentée du 25 mai au 17 juillet 2011
Vernissage mercredi 25 mai à partir de 18h

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Salon Populaire, Berlin
12 mai 2011, 20h

présentation du livre NAGRANE à Salon Populaire, Berlin

avec les récentes publications de l'éditeur argobooks (www.argobooks.de)

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ART PROPAGANDA.RU

http://artpropaganda.ru/?p=1917

a discussion initiated by Olga Jitlina

with Kirill Adibekov, Eva Frapiccini and Aria Spinelli

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For Love Not Money

participation in the 15th Tallinn Print Triennal, KUMU Art Museum, Estonia

with the newspaper "For example, Fabrika"

20.01.-08.03.2011

curators: Simon Rees, Eve Kask and Eha Komissarov.

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Eesti Muusika Päevad

Kolmapäev, 23. märts kell 21.30
Kino Sõprus (Vana-Posti 8)

Kunstnike-filmitegijate ja heliloojate koostöös sündinud videod ja lühifilmid, Kuraator Tarvo Hanno Varres

Marge Monko, Eléonore de Montesquiou, Pirkko Runnel, Liina Siib, Liis Viira, Loominguline kollektiiv Female Father (Ema näoga isa), Tobias Hagleitner (Austria), Tauno Aints, Andres Lõo, Paco Ulman, Kaarel Künnap

"VABRIK"

an exhibition at Galerie Antje Wachs, Berlin
Eléonore de Montesquiou

„Vabrik“

Biografisch grundiert und motiviert beschäftigt sich die französisch estnische Künstlerin Eléonore de Montesquiou seit mehreren Jahren mit den Transformationsprozessen in der früheren Sowjetrepublik Estland – dem derzeitigen „Musterschüler“ der EU.
Die Geschichte der Textilfabrik Kreenholm bildet den Ausgangspunkt der in der Ausstellung „Vabrik“ versammelten Videoarbeiten, Fotografien und Zeichnungen, die symptomatisch die Zerrissenheit und Prägung der Menschen zwischen Sprachen, Kulturen und politischen Systemen schildert. Die Fabrik befindet sich in der estnischen Grenzstadt Narva, die seit der Unabhängigkeit Estlands 1991 in den estnischen Teil Narva und den russischen Teil Ivangorod geteilt ist. Das bedeutet: die Bewohner der Stadt benötigen ein Visum, wenn sie über die Brücke von Ivangorod in den anderen Stadtteil Narva gehen, da sie dabei eine EU-Außengrenze und Schengen-Grenze überqueren.

Poetisch und präzise gleichermaßen erzählt Eléonore de Montesquiou in der Videoarbeit „Vabrik“ (2010) die Geschichte der 1857 gegründeten Textilfabrik. Über ein Jahrhundert sicherte die Fabrik den Menschen in der Region die Existenz, beschäftigte in Hochzeiten bis zu 12.000 Arbeiter, wurde 1991 privatisiert und 2009 endgültig geschlossen. Das in der Videoarbeit verwendete Archivmaterial aus Sowjetzeiten verweist auf die frühere Größe und die glanzvollen Zeiten der Fabrik. Bilder von Tanzveranstaltungen, stolz präsentierten Babys im werkseigenen Krankenhaus sowie Aufführungen von Kindern im Kindergarten zeugen davon, dass die Fabrik nicht nur Arbeitsplatz war, sondern von Geburt an in alle Bereiche des Lebens der Arbeiter wirkte und dieses über Generationen hinweg prägte. Das schwarzweiße Archivmaterial zeigt auch die Arbeitsabläufe und Fertigungsprozesse in der Fabrik. Was wie beiläufig aufgenommen wirkt und authentisch- dokumentarischen Charakter verheißt, ist genauso wie die Fotografien im Nebenraum die inszenierte Realität der Repräsentation von Arbeit in der UdSSR. Das Archivmaterial ergänzt die Künstlerin durch ihr eigenes Material, das sie während ihrer zahlreichen Aufenthalte vor Ort aufgenommen hat und das bereits das Ende der Fabrik markiert. Im Gegensatz zu den sozialistischen Aufnahmen wird hier die Abwesenheit von Arbeit sichtbar. Diese Bilder sind ebenfalls in schwarzweiß gefilmt. Durch die farbliche Angleichung des unterschiedlichen Materials werden die verschiedenen Zeitebenen aus den 60er und 70er Jahren bis zum Zeitpunkt der Schließung in 2009 miteinander verwoben und verdeutlichen damit, wie stark die Vergangenheit immer noch nachhallt.
Momentaufnahmen der gegenwärtigen Situation aus Narva und vom verlassenen Fabrikgelände schildert Eléonore de Montesquiou in Bleistiftzeichnungen, die erstmals hier in der Galerie Antje Wachs zu sehen sind. De Montesquiou übersetzt damit die eigene Wahrnehmung der ungewissen Situation mit zurückhaltender Geste in Zeichnungen, die genauso wenig auserzählt sind, wie die Zukunft der Stadt offen und diffus ist.

Welche Fragen und Lebensentwürfe sich aus so einer Situation ergeben zeigt Eléonore de Montesquiou in der Videoarbeit „Tallinn&Piter“ (2009). Gefilmt auf der Brücke zwischen Narva und Ivangorod stehen die Geschwister Sascha und Tanja, sowie Saschas Frau Nastja und diskutieren darüber, wo sie lieber leben möchten. In der estnischen Hauptstadt Tallinn oder in St. Petersburg. Während Sascha, der zwar in Estland geboren ist, aber nur russisch spricht nach St. Petersburg will, ist Tanja, die auch die estnische Sprache beherrscht, nach Westen ausgerichtet und will nach Tallinn. Die Frage nach sprachlichen, kulturellen und nationalen Grenzen und Identitäten verlaufen somit nicht nur innerhalb von Stadtgrenzen, sondern auch innerhalb familiärer Gefüge.

Elke Falat

Antje Wachs Gallery Charlottenstraße 3 10969 Berlin T +49 30 24 04 57 81 F +49 30 24 04 98 06 anna@antjewachs.de www.antjewachs.de

Eléonore de Montesquiou: Vabrik
in Zitty Berlin April 2011

Deindustrialisierung
Daniel Mufson

Das estnische Wort „Vabrik“ und sein deutsches Pendant „Fabrik“ stammen vom lateinischen fabricare, herstellen ab. Auf Englisch hat es weitere Bedeutungen, die in der aktuellen Ausstellung der französisch-estnischen Künstlerin Eléonore de Montesquiou widerhallen. Fabric heißt so viel wie Textil und fabrication unter anderem Lüge, erfundene Geschichte.
Dieses etymologische Dreieck bildet das unsichtbare Fundament von Montesquious Ausstellung über die Geschichte und den Mythos einer Textilfabrik in der Grenzstadt Narva, mit immerhin 65.000 Einwohnern die drittgrößte Stadt Estlands. Montesquious Videos, auf Russisch mit englischen Untertiteln und meist in Schwarzweiß gedreht, erzählen vom Untergang der Fabrik und dem tristen Leben in einer Stadt, deren Bewohner sich als Opfer der Geschichte und Globalisierung sehen. Die Videos sind von Archivaufnahmen aus der Sowjetära umgeben, die, ebenfalls in Schwarzweiß, produktive und zufriedene Arbeiter zeigen. Gegründet 1857 von einem Bremer Kaufmann, blieb die Kreenholm Fabrik auch während der Sowjetherrschaft in Betrieb, 1994 übernahm sie eine schwedische Firma und schloss sie 15 Jahre später.
Montesquiou hat mit einer ehemaligen Dreherin der Fabrik gesprochen, einem jungen Mann, der Narva verlassen hat, und mit estnischen Jugendlichen, die bereden, ob sie lieber in Tallinn oder im russischen St. Petersburg leben wollen. Formal betrachtet sind die Interviews eher zahm: Manchmal hören wir den Sprecher und schauen auf eine schwarze Mattscheibe, manchmal sehen wir den Sprecher erst, wenn nichts gesagt wird. Zudem spielt die Künstlerin mit nostalgischen Bildern, etwa wenn sie die Erinnerungen der Dreherin an die Fabrik mit Aufnahmen einer Frau gegenschneidet, die sich in Zeitlupe durch einen Wald bewegt. Montesquiou spielt hier die Rolle einer Autoethnografin. Die Künstlerin, geboren 1970 in Paris, lebt in Berlin und Tallinn und thematisiert schon seit Jahren den Einfluss von Grenzen und wirtschaftspolitischem Wandel auf das Leben in Osteuropa. In der aktuellen Ausstellung sammelt sie Geschichten über ein verschwundenes Werk sowie Gefühle und Erinnerungen von Menschen, die ebenfalls bald fort sein werden: von Jugendlichen, die wegziehen, und von Älteren, die uns daran erinnern, dass in der griechischen Mythologie das Leben von Schicksalsgöttinnen gewoben wurde und endete, als Atropos den Faden zerschnitt.

Daniel Mufson

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with ARGOBOOKS

IT'S A BOOK, IT'S A STAGE, IT'S A PUBLIC PLACE
during Leipziger Buchmesse
Centraltheater Leipzig
19 March 2011, 12.00 to 20.00 h

with books by

Filipa César: Montrage +++ Renata Lucas +++ Pablo Pijnapple: A Vision in Time +++ Erik Steinbrecher: CANDY MAN +++ Eleonore de Montesquiou: Na Grane +++ Florian Dombois: What Are The Places of Danger +++ Paolo Chiasera: Relic and Fetish +++ fake or feint +++ Transient Spaces: The Tourist Syndrome

Spector Books invited more than 20 »Micro-éditeurs« from all over Europe during the book fair to present themselves and their programs. Transfer of goods and thought, networking opportunities and debate should come together on the book fair's Saturday at the theatre. The talks and presentations given on the theatre stairs will be dedicated to the conception and design of book series: participants include, among others, graphic designer Zak Kyes about »Architecture Words«, the AA School of London's book series, and editor Jan Frederik Bandel about the history of the Fundus series.

Mit AKV Berlin / Archive Books (Berlin/ Turin) / argobooks (Berlin) / August Verlag (Berlin) / Bedford Press (London) / Eastside Projects (Birmingham) / Edit. Papier für neue Texte (Leipzig) / Edition Fink (Zürich) / Edition Taube (Stuttgart) / EXP.edition (Stuttgart) / Gagarin (Antwerpen) / The Green Box (Berlin) / Hands on Papers (Karlsruhe) / Hellozine (Köln) / Institut für Buchkunst (Leipzig) / Journal of Aesthetics & Protest (Los Angeles) / Lubok Verlag (Leipzig) / MZIN (Leipzig) / Motto (Berlin) / Space Poetry (Kopenhagen) / Spector Books (Leipzig) / Wolfgang Fietkau Verlag (Kleinmachnow

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LADY FEST TALLINN 8.-12. märts 2011 Laupäev 12.3 / Saturday 12.3

20.45 Animatsioonid ja lühifilmid/Animations and short movies
Chintis Lundgren "Volli Pall"
Girlin-Bassovskaja “Laud”
Riina Niine "Kes sa oled?"
Triin Ruumet "Shame"
Inga Eelmäe "Järjekordne nädalavahetus"
Marge Monko “Shaken Not Stirred”
Eleonore de Montesquiou "Naine"
Mare Tralla “Post Soviet Hero”
Anna Hints "Üksindus"
Krõõt Tarkmeel "Muna"

http://ladyfesttallinn.blogspot.com/

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Buchpräsentation von NA GRANE am 03.03.11, Barbabette, Karl Marx Allee 36, Berlin

Kosmetiksalon Babette presents:

Donnerstag 03. März 2011, ab 20:00 Uhr
info on books

Aleksandra Koneva, „Tagebuch einer Konformistin“, Kerber Verlag 2011
Aleksander Komarov, „Estate“
Susanne Kriemann, Kerber Verlag 2011
Eleonore de Montesquiou, NA GRANE, Argobooks 2011
Anette Rose, "Enzyklopädie der Handhabungen. 2006-2010", Kerber Verlag 2011

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Video Screening "Now and Then"

Project Space at Antje Wachs Gallery

Clarina Bezzola, Arturas Bumsteinas, Kristina Inciuraite, Eléonore de Montesquiou, Laura Garbstiene, Mladen Miljanovic, Özlem Sulak, Darius Ziura

10.02. - 20.02.2011

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19 janvier

Moscow

ЭЛЕОНОР ДЕ МОНТЕСКЬЮ, «СВЕТЛЯЧКИ», 2010
Элеонор была на прошлогодней акции 19 января и задокументировала происходившее у памятника Грибоедову. Стоит напомнить, в 20-ти градусный мороз техника часто капризничает и поначалу художница забраковала те снимки, которые пригодились нам в этом году. По прошествии года художница вспомнила о своем архиве, услышав призыв к участию в выставке «Искусство против нацизма». В размытых нечетких изображениях можно представить себе светлячков, которых Пьер-Паоло Пазолини считал метафорой несконяаемого процесса борьбы и сопротивления. Пазолини – один из крупнейших итальянских режиссеров и поэтов с ясной антифашистской позицией. Элеонор использовала фрагменты стихотворения Пазолини о светлячках и свою документацию акции 19 января 2009 года

January 19 Committee: Art Against Nazism (brief report)
Dear friends!
During the week-term anti-Nazism street-art action your stickers and posters have appeared in the cars, passageways, and escalators of the Moscow metro right up until January 19, 2011. The amount of propagated items was about 8.000 stickers and posters. The media coverage of the exhibition was unexpectedly wide. We got several major weekly national magazines including Expert and Kommersant Vlast. Also there was a good number of radio shows, including ones at Echo of Moscow, Radio Liberty, Russkaya Sluzhba Novostey and many others. Now we can say that our exhibition was visible and our campaign helped to attend at list 1000 of citizens for the march. (http://www.youtube.com/watch?v=hRZSz0PIJ54). The news about the march headed the list of major news at the Yandex.ru home page (the most popular web site in Russia). According to preliminary calculations marches on Jan. 19 were held in more than 35 cities of Russia and abroad.
Here you may find almost the full list of artworks from this show. Sorry to say: some got temporarily offline by technical reasons and will be loaded back ASAP. (http://19jan.ru/iskusstvo-protiv-natsizma-stikeryi.html) Many of artworks are explained in Russian.
As expected our call for contributions reached the goal and many artists and activists have helped to enlarge the list of participants by contributing their own pieces. There were people from Tambov, Samara, Riga, Paris, St.-Petersburg, etc.
All artworks were online during campaign and many of them was printed by activists and brought to demos even far from Moscow. (For instance in Kyiv, see pics attached)
Here you may also find a documentation of the action in Moscow metro. (http://www.antifa.ru/5473.html)
Here is a sort of interview with me (in Russian), but if you scroll directly to the 3rd minute you will see also a video documentation taken. (http://www.youtube.com/watch?v=J57iRwFb1gw)
So, dear comrades, on behalf of the January 19 Committee I thank all the participants and hope that we will continue our common struggle against Nazism worldwide.
The following artists and activists participated in the street art exhibition:
Affinity Group (Russia)
Anatoly Belov (Ukraine)
Babi Badalov (Azerbaijan; USA; Great Britain; France)
Cvetafor Group (Russia)
Cybersect (Russia)
Darinka Pop-Mitić (Serbia)
Dmitry Vilensky, Chto Delat? (Russia)
Eleonore de Montesquiou (France)
Emory Douglas (USA)
Etcétera (Argentina)
Ivan Brazhkin (Russia)
Ivars Gravlejs (Latvia)
Mikhail Sobaev (Russia)
Nikita Kadan, R.E.P. Group (Ukraine)
Nikolay Oleynikov, Chto Delat? (Russia)
Olga Kisseleva (France)
P.A. Lab (Russia)
Rigo 23 (Madeira; USA)
Rossella Biscotti (Italy; Netherlands)
Société Réaliste (France)
Zampa di Leone (Serbia)
…and some others

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Berlinale, Berlin Film Festival 2011

PAROLE A LA FEMME is screened
at Forum Expanded on the following date:

Friday, Febuary 11th, 5.30pm at Arsenal 1 and
Saturday, Febuary 12th, 8.30pm at Arsenal 2

For love not money
Tallinn Print Triennal 2011
curators: Simon Reed, Eve Kask and Eha Komissarov
KUMU Museum, Tallinn

Eléonore de Montesquiou 'Naine' video still
PRECARIOUS STATUS

PRECARIOUS STATUS
January 5 - February 11, 2011
University of Florida, Gainesville

University Gallery presents "Precarious Status", a digital media installation of work by French-Estonian, German and French artists Eléonore de Montesquiou, Julika Rudelius and Anne-Marie Schneider. Each of these artists explores international culture in a stylistically different way.

The videos they produce are socially and politically powerful, dealing with global feminism through issues of censorship, voyeurism and identity. The vehicles of expression in the actual videos include printmaking and drawing, interviews and film produced in cities and obscure natural environments, through a broad range of perspectives. This exhibition is organized by Irish independent curator Clodagh Keogh.

The work of these artists has been exhibited throughout the international art scene in biennales, and prestigious galleries from Russia to Taiwan to Madrid. Well-known in Europe, these three women artists have just begun to be an important part of the art scene in the United States. Julika Rudelius’ most recent video “One of Us” was made in Florida last summer. Anne-Marie Schneider was recently nominated for the prestigious Marcel Duchamp Prize juried in Paris in the fall of 2010.

NAGRANE
le livre est disponible
distribué par argobooks
www.argobooks.de

250 pages
couleurs
en russe, estonien, anglais et français

conception graphique : Aadam Kaarma

présentations :
7 octobre 2010: NCCA, St Petersbourg
8 octobre: NOKU, Tallinn, avec Rael Artel
Berlin: prévu début 2011
Narva: février 2011

présentation par argobooks :
ART FORUM BERLIN
07. - 10.Oktober 2010
www.art-forum-berlin.de

NEW YORK ART BOOK FAIR
05. - 07. November 2010
www.nyartbookfair.com

distribué par :
argobooks
Choriner Straße 57
10435 Berlin
tel: +49 (0)30 41 72 56 31
www.argobooks.de

FILM / FABRIK
Eléonore de Montesquiou, Romana Schmalisch

centre d'art passerelle - Brest - France
see: http://www.cac-passerelle.com/

1ère partie : Film/Fabrik
du 27 août au 05 novembre 2010

2ème partie : Film/Symboles
du 06 novembre au 11 décembre 2010

vendredi 05 novembre, 19h
mobile cinema
performance/lecture de Romana Schmalisch
suivi d'une programmation de films

Eléonore de Montesquiou et Romana Schmalisch se sont intéressées à des usines à Moscou qui mêlent activité industrielle (production de papier) et artistique. A partir de films documentaires et d’images, elles questionnent l’idée même de la représentation de ces usines, de leur histoire, de leurs productions et de leur reconversion. Entre cinéma et production, Eléonore de Montesquiou et Romana Schmalisch s’interrogent sur la transformation de ces lieux industriels en lieux culturels pour répondre à un climat de désorganisation économique actuelle.

SURVIVAL KIT, Riga, Latvia
see: http://www.lcca.lv/projects/survival_eng/

During the night from September 4 to 5, the SURVIVAL KIT 2 contemporary art festival, organised by the Latvian Centre for Contemporary Art for a second year, will take place alongside the activities of the White Night contemporary culture forum. More than 70 artists will reflect and produce different survival strategies in the contemporary world. Exhibitions, workshops, performances, film programme and lectures will take place from September 4 until September 11.

The SURVIVAL KIT festival was launched in 2009 in response to the dramatic crisis-induced changes within Latvian society. This year the festival will continue to beat to the pulse of the latest trends and positive transformations within cities, society and the world at large, and report on the contribution of artists in making the world a better place.

“In the last year, parallel to the opening of multifunctional shops, coffee bars and hairdressers with their own cultural programme, several creative hubs have come to the fore in Riga. The city has also witnessed the development of creative incubators encouraging interaction between culture and business. These new initiatives declare culture as a substantial component of the “survival kit” and as a vehicle for future development,” says SURVIVAL KIT 2 Festival Curator Solvita Krese.

Transient Spaces – The Tourist Syndrome
NGBK & Kunstraum Kreuzberg/Bethanien
28. August – 10. Oktober 2010

Eröffnung: 27. August, ab 19 Uhr
täglich 12-19 Uhr, Do-Sa bis 20 Uhr. Eintritt frei

Die Ausstellung, die parallel in der NGBK und im Kunstraum Kreuzberg/Bethanien stattfindet, schließt das zweijährige, interdisziplinäre Projekt Transient Spaces – The Tourist Syndrome ab. Über zwei Jahre widmeten sich KünstlerInnen und KulturproduzentInnen in Workshops, Seminaren, Vorträgen und Künstlerresidenzen aktuellen Fragen zu Mobilität, Tourismus, Migration, neuen Formen flexiblen Lebens und permanenten Unterwegsseins. Ergebnisse dieser Arbeit waren bereits in Ausstellungen in Italien, Litauen und Rumänien zu sehen.
Für die Berliner Ausstellung wählten die Initiatorinnen Marina Sorbello und Antje Weitzel 25 künstlerische Positionen aus siebzehn Ländern (zwölf europäische) aus. Einige der Werke sind im Rahmen von Aufenthalts- und Produktionsstipendien entstanden. (Alex Auriema, Isa Andreu / Timothy Moore, Carsten Does / Gerda Heck, Bettina Hutschek, Eléonore de Montesquiou, Joanne Richardson / David Rych, Romana Schmalisch, Eugenio Tibaldi)

Das Rahmenprogramm der Ausstellung beinhaltet Performances, Diskussionen und ein Filmprogramm in Kooperation mit dem Ballhaus Naunynstrasse.

KünstlerInnen: Isa Andreu (ES) / Timothy Moore (AU), Alex Auriema (USA), Federico Baronello (IT), Ursula Biemann (CH), Aslı Çavuşoğlu (TR), Raphaël Cuomo / Maria Iorio (CH), Carsten Does / Gerda Heck (DE), G-Lab (LT), Daniel Gontz (RO), Sandra Hetzl (DE), Bettina Hutschek (DE), J&K (DE/DK), Thomas Kilpper (DE), Sara Kolster / Suzanne Valkenburg / Eefje Blankevoort (NL), Emanuel Licha (CA), Ives Maes (BE), Plinio Avila Marquez (MX), Eléonore de Montesquiou (FR), Christoph Oertli (CH), Joanne Richardson (USA) / David Rych (AT), Romana Schmalisch (DE), Société Réaliste (FR/HU), Pilvi Takala (FI), Eugenio Tibaldi (IT), Oraib Toukan (USA/JO)

KIOSK 15
avec Sandy Amerio
une invitation de Clémentine Roy
http://www.kiosk.clementineroy.com

pointligneplan: la nouvelle collection en ligne
www.pointligneplan.com
distribue KALAMEES, SILLAMÄE et PALDISKI

Avec le soutien du Forum des images, du Centre national des arts plastiques et du Centre national du cinéma et de l’image animée, pointligneplan vient de mettre à jour sa collection de films au croisement du cinéma et de l’art contemporain. Elle réunit aujourd’hui 42 auteurs et 100 films.
Ces films sont accessibles dans leur intégralité en vidéo à la demande sur www.pointligneplan.com et www.plpfilmmakers.com
Cette collection confirme l’émergence d’œuvres singulières inquiétant les lignes de partage entre documentaire et fiction, journal filmé et essai, fonction narrative et expérimentation plastique, cinéma et art contemporain. En autorisant un accès aux œuvres en vidéo à la demande, pointligneplan s’engage dans le passage de relais entre le cinéma et de nouvelles formes de relations aux images.

2009-06-24T15:49:00.001-07:00

Eesti ainus film Berlinalel
Jaan Ruus

22. veebruar 2011
Jaan Ruus leidis Berliini festivaliprogrammist ühe Eestiga seotud teose – autorifilmi Mustast Aafrikast: “Sõna on naistel”.

Berliini filmifestivali 385 filmi hulgas, mida arvukais programmides näidatakse (kõrvale jättes kommertsürituse, filmituru) leiab, kui hästi otsida, ka ühe eesti filmi /reprol kaader filmist). See on kaheksaminutine video, mis vaatleb kolme Togo neegritari: puuviljamüüjannat turul, viljakauplejat samas ja – dieeditoitumisnõuandjat. Filmi režissöör on Eesti passiga prantslanna Eléonore de Montesquiou.

Kuuleme Raadio Togo igapäevast saadet “Sõna on naistel”. Viljahulgikaupleja analüüsib üksikasjalikult söögihelveste ostu- ja müügihindu, esitab ladusalt ja veenvalt majanduslikke kalkulatsioone, kirjeldab turusuhteid Aafrika külas, kurdab madalate hindade üle, mille tõttu on pere toitmine tõsine probleem. Tema sujuvale ja asjatundlikule monoloogile liidab filmi režissöör teise raadiosaate, kus antakse nõu dieetide valimiseks ja soovitatakse selleks vastavaid toiduaineid ja roaretsepte. Ekraan aga näitab terve filmi jooksul – eri rakurssides, kuid suures plaanis – turul kõndivat müüjatari. Kolm aafriklannat, kaks jutustajat ja üks pildis, kujundavad – niiviisi kontrapunktiliselt monteerituna – küllalt reljeefse mõrumaitselise pildi musta mandri argipäevadest.

Eksperimentaalfilmilise Forumi sektsiooni allprogramm Forum Expanded oligi kokku pandud väikevormidest ja näitas koos lühifilme maailma eri paikadest. Forum Expanded otsib tegelikkuse uudseid kunstilisi tõlgendusi, soovib, et valitud väikefilmid kirjutaksid omal moel ümber ajalugu, olgu või utoopiliselt. Enne “Sõna on naistel” esitati Iraani filmi, mis võttis ainsa olemasoleva videolõigu kuulsast demonstratsioonist Iraanis 8. septembril 1978 ja estetiseeris selle, peatades lõiku aeg-ajalt, et esitada küsimusi pildil olijate kohta jm. Geograafiliselt ulatusid näidatavad programmid kanada eskimotest noore Castro esimese partisaniretkeni 1956. aastal, juudi vastupanuvõitlusest Teise maailmasõja ajal Poolas kuni langevarjuhüpete nautimiseni Hiinas ja pimedate jalgpallivõistluseni.

Küsisin pärast režissöörilt, Eléonore de Montesquiou’lt:
Miks mustvalge?

Reisibürood levitavad palju värvipilte Aafrikast. Tahtsin reklaamfotodest distantseeruda.

Läksite Aafrikasse puhkama?

Kaamera on mul alati kaasas. Filmisin turgu. Bussiaknast, terve päeva. Naine, keda filmis näeme, müüs autosõitjatele puuvilju. Kõrge bussi aknast sai tema pealaelt banaane ka ise võtta. Ta lubas end filmida, kuid hoidus otse kaamerasse sattumast, ebausk ilmselt.

Võitlete naiste õiguste eest Aafrikas?

Feministlik toon on filmil küll.

Küsin ka teie kui autori kohta. Kuidas film Berlinalele võeti?

Forumi programmi koostajad soovisid juba minu filmi “Aatomilinnad”, seda oli aga näidatud. Forum tahab alati esilinastusi. Ilmselt otsisid nad mind oma vanade kontaktide seast üles.

Ehk tahtsid festivaliprogrammi kokkupanijad rõhutada aafriklannasid filmiva autori kaugust sellest mandrist.

Nime järgi olete prantslanna.

Minu vanavanavanavanaisa tuli Tallinna Venemaalt Liivi sõja ajal. Ema, eestlanna, läks enne Teist maailmasõda Eestist Prantsusmaale, abiellus seal prantslasega, mina sündisin Pariisis 1970. aastal.

Ema sai nüüd tagasi oma Eesti kodakondsuse ja selle läbi ka mina endale Eesti passi. Saime tagasi ka maja Toompeal. Aga põhiliselt elan Berliinis.

“Naiste sõna” on eesti film?

Miks mitte. Mind on alati huvitanud identiteedi küsimused, piiride probleem – filosoofiliselt. Seepärast tegin ka filmid Paldiskist, Sillamäest, Narvast.
ja lihv digiprojektsiooniga varustatud kinosaalis.

Anthoni Dominguez

2009-01-14T08:11:00.000-08:00

A discussion with Anthoni Dominguez for the catalogue of the exhibition "Our house in the middle of our street", Maison des Arts, Malakoff (May-July 2011) curated by Jeanne Susplugas

Eléonore de Montesquiou
Entretien téléphonique réalisé par Anthoni Dominguez le 31 mars 2011.

Depuis Minu maja on minu maa, que vous présentez dans le cadre de cette exposition, jusqu’à votre série la plus célèbre des Atom cities, il vous arrive souvent de croiser le style documentaire et l’autobiographie. Quelle est la place du « témoignage », comme expression d’une subjectivité basée sur une expérience réelle, dans vos travaux ?

Dès que le travail d’enregistrement commence, dès que j’ai trouvé mes héros, le documentaire et l’autobiographie ne se croisent plus. L’autobiographique est le point de départ, l’origine du désir de comprendre, mais quand je trouve le lieu et les personnages, je ne documente plus qu’exclusivement leur histoire, leurs émotions. Pour Minu maja on minu maa, nous venions de récupérer notre maison en Estonie, à un moment où beaucoup retrouvaient leur propriété. Il s’agissait donc, dans un premier temps, d’une question personnelle. Pour autant, je n’aime pas parler de moi. J’aime interviewer les gens. La construction de ce premier film était assez simple : les gens parlaient de leur maison, de la restitution de la propriété, de leur relation à cette maison… Après, il y a bien sûr le sentiment d’attachement, et il y a toujours, à ce moment, une part de mise en scène. Aujourd’hui, je travaille avec une famille à Narva, depuis 4 ou 5 ans, dont la mère se prénomme Olga. Les films que je fais avec elle ont une certaine résonance car elle parle bien, avec beaucoup d’humour et de verve, féministe à sa façon…sa parole est percutante. Tania, sa fille, me dit que tout est faux…mais peu importe ! Elle raconte ce qu’elle a vécu, et il y a sûrement plus de vrai que ce que Tania veut bien croire. Certes, il s’agit en quelque sorte de portraits de cette femme, mais à travers elle, d’un portrait de toutes ces femmes de la Perestroïka qui ont plus de 50 ans. Je peux également formuler, au travers d’Olga, les questions qui suivent ma vie. Je délègue mon autobiographie à mon héroïne.

Pourriez-vous me parler de cette désynchronisation presque systématique entre les visages et la parole de vos interlocuteurs ?

Si visages et mots étaient synchronisés, l’image et le son seraient redondants. Les dissocier permet d’ouvrir le sens, d’unir les temps du film et les niveaux de la narration, de l’intime jusqu’au communautaire. La méthode talking head où une personne parle, filmée en portrait, ne m’intéresse donc pas. Les personnages apparaissent chez eux, ou dans un environnement de leur choix : leur appartement, la forêt, l’usine, le cimetière, etc. C’est ici que réside tout l’intérêt de la vidéo, sinon, je ferais un simple enregistrement sonore, comme dans Oleg Klushin, où son visage apparaît au début mais où l’ensemble du film est un écran noir avec du texte. La désynchronisation permet donc d’introduire plus d’images, plus d’espace, plus de niveaux d’informations. Et puis, ce ne sont pas réellement des portraits. J’aime plutôt dire que mes personnages sont des héros, parce qu’ils cristallisent une époque, une situation régionale, une ville ou plus globalement une problématique propre à une communauté. Par exemple, le film en couleur qui présente Sacha pêchant sur la glace est construit sur un grand travail sonore. A la fin, Sacha évoque brièvement un entre-deux, entre Estonie et Russie, entre Europe et Asie. Pour autant, l’image de ce dernier pêchant sur le fleuve gelé qui sépare les deux pays donne la sensation de victoire sur les frontières, de suspension. Image et discours se complètent au lieu de se répéter.

Les personnes que vous interrogez vous aident dans l’élaboration de vos vidéos. Quelle importance attachez-vous à ces collaborations ? Peut-on parler d’enjeux politiques ?

Après avoir achevé Atom cities en 2006, j’ai voulu poursuivre de façon plus intime et j’ai rencontré ces quelques personnes qui sont devenues les héros de mes histoires : Olga, Dora, Sacha et Nastia. Avec eux, je peux travailler de la meilleure façon qui soit : je les retrouve régulièrement, nous discutons à bâtons rompus, j’enregistre tout et je filme les lieux ou les activités de leur choix. Le montage, je le fais seule, mais l’étape suivante se déroule chez eux : nous regardons les premiers essais de montage, en discutons, retranchons ou ajoutons des passages. Puis il y a l’après : les présentations en Russie ou en Estonie auxquelles ils participent et prennent la parole avec moi. Je pense donc que notre travail est essentiellement politique. J’en suis même convaincue. Avec Olga par exemple, pendant la phase d’enregistrement, je suis d’une certaine manière « utilisée ». Il y a un conflit entre Russes et Estoniens en Estonie, et Olga est très consciente que mes films seront montrés à Tallinn, puis en Europe. Elle utilise sciemment le potentiel politique de cet outil. Comme j’ai moi-même envie d’en parler, d’en faire des films, des livres et de les présenter, je l’utilise également. Nous pensons moins à la suite et à qui cela pourrait servir, ce travail est montré, le plus possible, sans cibler a priori le public. Pour mes films, je suis obligée de sélectionner, d’extraire des moments de parole, mais ces coupures me poussent à publier la quasi-intégralité de ces entretiens dans des livres. Ils sont ensuite traduits pour qu’on puisse les lire en russe original, en estonien et en anglais. Les choses sont peut-être été dites déjà, à la télévision russe surtout, mais elles ne sont pas recueillies, éditées et publiées de la sorte. Il est urgent de prendre la parole et ne pas laisser les mots à d’autres. La télévision reste en effet un outil de propagande qui transforme tout ce qu’il touche, et cette région n’y échappe pas. J’aime travailler en Estonie parce que le dialogue est en train de se construire dans ce pays, à la différence de la France ou l’Allemagne où il y en a peut-être trop.

Après plus de dix années à questionner l’histoire, tant individuelle que collective, quel est votre rapport à la notion de propriété, sinon d’origine et d’identité, dans une Europe qui fait face à la montée des nationalismes ?

Les problématiques de mes films ont suivi les étapes de ma vie. Mes premiers travaux s’intéressaient aux vêtements, au plus près du corps. J’habitais à Paris, j’étais beaucoup plus jeune et la question de l’habitat ne se posait pas vraiment. Après, ce fut la robe de mariée, puis Minu maja on minu maa, et la découverte de mon nouveau pays, l’Estonie. Enfin, mon travail s’est élargi à la nation, à toutes ces questions d’identité, d’origine, de rapport à la propriété…à la frontière aussi. Je crois que l’on élargi son champ de vision avec les années. Pour autant, si mon rapport à la propriété est en fait assez simple, voire simpliste, mon rapport à l’origine est plus incertain. Ma grand-mère est russe, elle est venue vivre en Estonie à la Révolution. J’ai grandi en France dans la culture et la langue françaises alors que je vis aujourd’hui à Berlin et en partie à Tallinn. C’est en Estonie que la question de ma nationalité estonienne, sa justification et le processus de mon « intégration-acceptation » se pose. Il s’agit d’un pays où le nationalisme est brûlant, en constante redéfinition pour des questions historiques évidentes, le pays ayant repris son indépendance en 1991. Mon rapport à l’origine se traduit dans ce contexte par l’apprentissage des langues, la double nécessité de parler russe – nationalité et liens familiaux – et estonien – citoyenneté. Je suis également obsédée par la frontière. Il y a ce pont-frontière là-bas que l’on ne peut traverser ou vaincre qu’avec un visa et une longue attente: c’est un vrai mur à la limite de l’Europe, comme l’ultime limite d’un habitat qui serait la nation.

Justement, ne vous a-t-on jamais accusé de vouloir donner une orientation à l’histoire ?
Ne vous a-t-on jamais confronté à la question de la légitimité des témoignages que vous rapportez ?

Je ne réécris pas l’histoire, de même qu’il n’y a pas d’interprétation ou de jugement porté sur la période soviétique. Les traces de « l’histoire officielle » ont en grande partie disparu, cette dernière s’écrivant plutôt en ce moment-même. Mes films et mes livres en sont un jalon. Comme cette histoire n’a jamais été écrite, rien dans mon travail ne s’y oppose. J’ai réalisé des films et un livre sur Sillamäe il y a cinq ans. Ils font archives, car rien n’avait été publié sur le sujet. S’il y a eu, très certainement, toute une documentation à l’époque de l’URSS, elle a disparu et il s’et construit une sorte de mythe autour de cette ville qui était fermée et secrète, car dédiée à la recherche nucléaire. C’est comme si cette histoire n’appartenait plus à personne : on se doit de l’écrire aujourd’hui. Maintenant, à Narva, à 20 km de Sillamäe, je réalise un film sur la manufacture de textile qui vient de fermer. J’utilise des films d’archives, des images et interprétations actuelles sur cette ruine. Là encore, je ne me suis pas heurtée à une réelle opposition, car personne ne sait vraiment ce qu’il s’est passé, le sujet reste ouvert. De plus, les autorités s’en moquent car l’Estonie est présentement occupée à se construire une histoire qui oublie la communauté russe. Le pays a toujours été un mélange de peuples, les Estoniens, les Russes, les Allemands…mais l’Estonie imagine un temps où la nation était exclusivement estonienne. Le fait d’être étrangère et d’origine russe, même si j’ai le passeport estonien, m’aide à être acceptée par la communauté russe et permet de bénéficier d’une distance, voire une plus grande tolérance, de la part de Estoniens. Et même si le moindre événement a un certain écho compte-tenu de la taille du pays, ce que je fais reste dans le champ l’art !

Filtrer la réalité, Thibaut de Ruyter, 2007

2009-01-14T07:45:00.000-08:00

Filtrer la réalité
Par Thibaut de Ruyter
2007

Les vidéos d’Eléonore de Montesquiou peuvent être vues, au premier abord, comme des petites notes poétiques prises subrepticement dans un carnet de voyages. Si leur contenu n’était pas politique ou social, si elles ne montraient pas la réalité (sans pour autant sombrer dans “la misère du monde”), si elles ne proposaient pas une certaine universalité dans les sujets qu’elles abordent : elles pourraient être de simples et brefs souvenirs d’un moment disparu. L’artiste, née en France et de double nationalité française et estonienne, a longuement visité ou vécu, au cours des dix dernières années, dans de nombreuses villes. Et, presque à chaque fois, Eléonore de Montesquiou ramène des traces de ses rencontres avec leurs habitants, des images d’instants partagés avec des personnes qui — un peu comme elle — vivent entre deux états, deux frontières, deux histoires.
Pour son exposition à la Villa du Parc, elle a choisi de présenter quelques œuvres en parallèle à son imposante réalisation consacrée à deux villes estoniennes (Atom Cities, 2006). Si Atom Cities a déjà fait l’objet de plusieurs présentations et commentaires_ ce qui nous intéresse, ici, est de tenter de trouver un lien commun aux différentes vidéos d’Eléonore de Montesquiou. Si les territoires qu’elle explore sont souvent différents (elle a filmé en Iran, en Autriche, au Brésil, en Russie et, plus récemment, en Pologne), ce que l’artiste recherche, avant tout, ce sont les occupants de zones frontières, de villes délaissées, de territoires aux contours flous : individus dont l’histoire personnelle est souvent tragiquement définie par l’histoire collective. Dans le cas d’Atom Cities, elle a interviewé les habitants de deux villes estoniennes : Sillamäe et Paldiski, cités fondées et construites au temps de l’Union Soviétique pour satisfaire ses besoins en uranium. Aujourd’hui, elles ont perdu leur raison d’être et leurs habitants — enfants de personnes déplacées il y a une cinquantaine d’années — n’ont plus de points d’ancrage autres que ces villes (artificielles) où ils sont nés. Bien vite, on comprend que leurs choix de vie sont toujours dictés par un état disparu (l’URSS) et par les décisions contemporaines d’autres états peu impliqués dans leurs vies (l’Estonie, la Russie, l’Europe). Mais, au travers de ce qu’ils sont amenés à raconter à l’artiste — et dans ce qu’Eléonore de Montesquiou décide au final de monter et montrer — leurs histoires deviennent universelles. Le contexte politique est présent, mais ce qui intéresse l’artiste avant tout c’est le destin des personnes qu’elle rencontre. Ainsi, dans la vidéo faisant partie d’Atom Cities et intitulée Katrin, la protagoniste ne sera jamais vue. Nous entendrons sa voix tout en voyant défiler une forêt agitée. Katrin, dont l’interview prends lentement le ton d’une confession, reste hors-champ pour que ce qu’elle raconte puisse devenir les pensées de toutes les personnes qui, un jour ou l’autre, se sont retrouvées dans une situation semblable. Peu importe (ou presque) que cela se passe en Estonie ou en Pologne, en Amérique du Sud ou en Afrique.
Dans cette approche d’une réalité commune, collective et poétique, la voix peut, dans les œuvres d’Eléonore de Montesquiou, devenir superflu. Plus besoin de voix-off, d’interview ou de narration, l’image se suffit à elle-même. Telle cette femme iranienne qui se baigne entièrement vêtue et voilée de noir (Nur, 2004), ces jeunes garçons filmés en gros plan pendant qu’ils fixent une télévision (Televisão, 2005) ou ces enfants jouant dans la rue entre violence et amusement (Los Chicos, 2006). Il y aura juste de la musique (l’artiste donne régulièrement carte blanche à des compositeurs de musique contemporaine) et un fort traitement digital de l’image. Car, pour que ces brèves séquences se suffisent, il faut monter, traiter et dilater l’instant à l’extrême afin de le rendre sensible. Les vidéos d’Eléonore de Montesquiou utilisent donc des effets qui ajoutent au sentiment de regarder une trace personnelle plus qu’un froid “documentaire”. L’artiste agrandi et recadre une partie de l’image quitte a obtenir une forte pixelisation. Elle passe une séquence en noir et blanc. Elle ralenti ou répète le geste d’un protagoniste. On est loin de la superproduction ou de la démonstration technique : ses effets sont simples mais servent surtout à attirer l’attention sans pour autant nous dire ce qu’il faut penser de la situation. Si le nom n’était déjà pris, il faudrait regrouper tout cela sous l’intitulé de “Filtre de Réalité”_. Car l’artiste filtre — par le choix des images qu’elle filme et monte puis avec les outils technologiques — afin de produire une réalité attentive aux autres et capable de transmettre, avec sensibilité et sans misérabilisme, leur vie quotidienne.
Thibaut de Ruyter
1 Voir le catalogue en deux volumes Atom Cities, Sillamäe - Paldiski,
- le blog: http://atomcities.vox.com
- le texte paru dans le numéro 1/2 2007 de Kunst-Bulletin et écrit par Marguerite Menz
- la chronique de son exposition à la galerie Zürcher sur le site web Paris-Art (www.paris-art.com/expo_detail-3673-montesquiou.html),
- “Enquêtes sur le reel”: le texte écrit par Mo Gourmelon, publication pointligneplan mai 2006
- “Sillamäe, mon amour”: le texte écrit par Liina Siib dans Kunst.ee, 4/2006

2 Le Filtre de Réalité est une machine sonore construite par Jacques Brodier._

ou notes:
Voir le catalogue en deux volumes Atom Cities, Sillamäe - Paldiski et le blog: http://atomcities.vox.com. Ainsi que le texte de Marguerite Menz paru dans Kunst-Bulletin (janvier 2007), celui de Mo Gourmelon dans pointligneplan (mai 2006) et Sillamäe, mon amour écrit par Liina Siib dans Kunst.ee (avril 2006) ou la chronique de son exposition à la galerie Zurcher sur le site web Paris-Art (www.paris-art.com)

texte publié dans le catalogue des expositions de la Villa du Parc, 2005-2007

Eve Kask, Tallinn, 2007

2009-01-14T07:42:00.000-08:00

Interview with Eve Kask
Tallinn
2007

1. You are a Frenchwoman living in Berlin, but you represent Estonia at the triennial. How did you come to Estonia and become engaged in a subject as hot as atomic cities?

The way from Paris to Sillamäe is not that long for me, since my grandmother was an Estonian citizen. My great-grandmother, Olga Baranova’s family had lived in Estonia for four hundred years. My grandmother's father, Leo Zinovieff, was Russian and his family owned factories in Narva for several generations. My grandmother's family escaped from Bolshevik Russia in 1918, and they settled in Estonia. Later, my grandmother married a Frenchman. I was born and educated in France. I have had an Estonian passport since 1992.

This led me to question the very notion of citizenship and borders and languages and to work with people of Russian nationality in Estonia.

Sillamäe where all these issues crystallise was a fascinating starting point. I now continue to work on these topics in Narva and Ivangorod.

2. Those of your projects I have seen are painfully social. Has social and political art always been your main subject? Is this also the most important aspect of art to you as a spectator / consumer of art?

My projects are indeed socially and politically oriented but hopefully not painful! Far from playing with an image of misery, I try in my films not to direct the viewer. My heroes show pride and joy and hopes and anxieties, there is no single point of view. The interviews I have and the use I make of them underline what to my opinion is universal: that our understanding changes with the light shed on a situation.

My main subject has always been one's relationship to the immediate environment, on an everyday basis. The questions I deal with are actually always my own, and they grow as life goes on, I made films ranging from the symbolism of a wedding dress (1998) the relationship to one’s home (2001-2003) or as today, broader issues such as border crossings, identity. But basically, it is about story telling and finding heroes.

The most important aspect of art for me…a tricky question!...joy, uncontrolled elements, how to tell a story thus reaching beyond the images or the words. As for my position regarding the spectacle and consumption of art, it is highly critical. I had never intended to be an artist, though I am glad that my work is presented also in this field, since it is definitely an open space, a space of stimulating encounters with people and ideas. I keep looking for what could help me for my own research. I am very interested in how others use documentary material, how artworks and films deal with a social and political engagement, the decisional process they go through. On the other hand, cinema is a passion, I watch any type of moving images for the sake of them.

3. Two of the triennial’s videos take us to Northern Iran. What made you relate to Iranian customs and what did you learn from that experience?

I do not relate to Iranian customs, but being a woman I was fascinated by Iranian women, and shocked by the rules imposed on them. I was very impressed by the fact that -coming from the West, from a country where the hijab issue is prominent- I had to admit after meeting women in Iran that there is no simple approach possible, that the sore point is not the hijab itself but the rules of behaviour requested in a country where you face imprisonment or beating up if you don't wear this hijab.

4. What is your relationship with printmaking?
My very first works were actually prints! I like the precision, the technical requests, the time and steps needed to prepare a print, the delay of the process as well the fact that a print is a multiple. I did not go to an art school, but while I was studying economics and art history, I attended evening classes in printmaking. Furthermore, at University, I was specialising in Old Masters' prints and drawings. I had access to the Louvre's collection of drawings and prints. For us, students, opening archived boxes full of Rembrandt prints for example was a precious and unforgettable experience!

5. What do you think about the point of an event like the Tallinn Print Triennial?
I appreciated the mix of generations of printmaking, the larger understanding you offered of the notion of printmaking, ranging from videos to paper prints. Also, as any art event, the Triennal was a very interesting social gathering and I enjoyed the festive aspect of it.

De l’autre côté de la frontière, Thibaut de Ruyter

2009-01-14T07:34:00.000-08:00

De l’autre côté de la frontière
par Thibaut de Ruyter
2006

L’artiste franco-estonienne Eléonore de Montesquiou vit — comme beaucoup de ces contemporains — entre deux pays, quelques frontières, de nombreuses histoires et plusieurs langues. Son art vidéo pourrait être qualifié de documentaire s’il ne mettait pas en place des narrations discontinues, des fragments de vie, des petits moments d’histoire intime et personnelle, laissant beaucoup de place à la subjectivité. Et ce que les gens lui racontent en Autriche n’est finalement pas très loin de ceux qu’elle écoute en Pologne ou en Russie. Des histoires de déracinement et de recherche d’identité où, au moment de monter, l’artiste disparaît pour laisser parler les habitants de territoires oubliés.
Après un long séjour en Estonie, elle revient à Berlin avec une installation vidéo intitulée Atom Cities et une publication d’envergure (deux volumes représentant plusieurs centaines de pages d’interviews). Dans deux villes différentes (Sillamäe et Paldiski), l’URSS a déplacé après la seconde guerre mondiale des milliers de personnes afin d’exploiter de l’uranium. Villes secrètes et interdites, elles sont aujourd’hui comme des îles où les habitants ne parlent pas estonien, ont un passeport d’apatride et pas vraiment de citoyenneté. Il faut donner de son temps pour comprendre les tenants et les aboutissants de ce projet, et voir comme les décisions politiques, les tournants historiques, les législations contemporaines, peuvent avoir un impact considérable sur la vie quotidienne d’habitants impuissants.
Surtout, Eléonore de Montesquiou fait preuve d’un véritable amour pour ses sujets. Et elle prouve qu’un artiste international aujourd’hui n’est pas celui qui court de ville en ville, de biennale en foire, d’exposition en colloque, mais celui capable de transporter avec lui un questionnement personnel et de le confronter patiemment à la réalité du monde qui l’entoure.

Thibaut de Ruyter

Delta, Andrey Parshikov, Moscow 2008

2009-01-14T07:32:00.000-08:00

Дельта
Элеонор де Монтескье,
куратор программы Андрей Паршиков
2008

Для программы «Сверхновая вещественность» Элеонор предложила проект, никак не относящийся к какому-либо национальному контексту. Напротив, отвечая требованиям манифеста, этой выставкой Элеонор пытается частично описать состояние человека, осознанно живущего в глобальной деревне. Отсутствие границ, отсутствие национальной самоидентификации, отсутствие любой этнической принадлежности, за исключением, разве что, фенотипа, который также теряет какую-либо чистоту. Видео, фото и рисунки художницы описывают чувственную имманентность, которая держит ответ перед вечностью, описывают кратковременную память, которая затем навсегда переходит на подсознательный уровень. Работы объединены темой ноктюрна – все зарисовки сделаны ночью. Аэропорт, машина скорой помощи, зал ожидания. Ночь помогает художнице окончательно стереть любой геополитический оттенок, любую государственность и конвенциональность, описывая лишь абстрактный глобализированный мир, рождающий у зрителя чувство сопричастности. При этом нельзя говорить о том, что работы Монтескье аполитичны или абстрактны. Напротив, политика здесь выступает как абсолютный императив на глобальном уровне. Плоды западной демократии, призванные идеализировать мир, защитить права и жизнь людей, показывают здесь свою несостоятельность. Одиночество и отчуждение, жестокость и бескомпромиссность, дегуманизация и техногенизация современной цивилизации – все эти абстрактные характеристики Элеонор воссоздает на очень конкретных примерах личного опыта, при этом документальность работ провоцирует неминуемое чувство страха, от которого зритель не может отделаться. Ее работы – это холодная, эстетизированная, продуманная фиксация ключевых моментов эмоциональных взрывов, где люди – всего лишь часть ландшафта, оформляющего эпицентр этого взрыва. Композиторы, выстраивающие звук для художницы, играют далеко не последнюю роль. Иногда именно с музыки начинается работа. Именно поэтому фильмы проекта «Дельта» можно назвать завораживающим, пугающим экспериментальным ноктюрном. Звуки здесь писались днем, видео документировалось ночью, и, соединяясь, они образуют диссонансное сочетание, дезориентируя зрителя по всем осям координат, как в пространстве, так и во времени. Главное что удается Элеонор в своих работах – это умение описать современность таким образом, что любой зритель согласится с ее точкой зрения. Точное попадание в коллективное бессознательное при скрупулезном, максимально критичном наблюдении за «глобальной деревней» делает Монтескье одной из важнейших художников программы «Сверхновая вещественность», а ее выставку – важным звеном всего проекта.

Andrey Parshikov (English translation)

2009-01-14T07:30:00.000-08:00

Andrey Parshikov
Contemporary City foundation
Moscow, 2008

DELTA by Eléonore de Montesquiou is the most extraordinary in the project “Ultra-New Materiality”. Eléonore is not a Russian artist and also hardly she can be related to postdiaspora. She is French and she has lived in Estonia for a long period of time where her creative work was the most efficient, and then she moved to Berlin. Thus it should be reminded that a lot of her films are dedicated to Russia and post soviet space. The big documentary project about the first emigrational wave of the beginning of 20th century (Eléonore’s family has direct link to it) that was shown in Saint-Petersburg, interviews with Saint-Petersburg' young artists, films about the Russian community in Es-tonia – due to these works Eleonore is known in the West. Her project “Atomic cities: Sillamäe”, presented in “Vinza-vod”, during the 2nd Moscow Biennale and “Olga Olga Helena”, at the festival “Contemporary art in traditional mu-seum” in Saint-Petersburg, brought her popularity in Russia. Eléonore has proposeda project for the program “Ultra-New Materiality” that is not related to any national context. On the contrary, in compliance with manifest’s requirements, through this exhibition Eléonore chose films where the ab-sence of frontiers, of national self-identification, absence of any ethnical belonging, except for phenotype, are predomi-nant. Videos and drawings underline a sensual immanence that holds a response to the infinity, short-term memory that then transfers forever to subconscious level. The works are united by the theme of nocturne – all sketches were made during night time. Airport, ambulance, waiting room. Night helps the artist to erase finally any geopolitical shade, any statehood and conventionality, describing only a dreamy world. Thus we cannot say that Montesquiou’s works are apolitical and abstract. On the contrary, hereby poli-tics comes as absolute imperative at global level. Fruits of Western democracy, called to idealize the world, to protect human rights and lives, show here their inconsistency. Solitude and alienation, cruelty and absence of compromises, dehumanization and technogenezation of modern civilization – Eléonore recreates all these abstract characteristics based on very precise examples of personal experience, thus documentation of works provoke inevitable sense of fear, which the spectator can not get rid of. Her work is cold, aesthetic, well thought off fixation of key moments of emo-tional explodes, where people are only the part of landscape, made out epicenter of this explosion. Composers created soundtrancks for the artist, which play an important role. Some of her films start just with music. Therefore films of the project “Delta” can be called charmed, frightening, experimental nocturnes. Where sounds were written during the day, video was documented at night, and, uniting, they create discordant compositions, disorienting the spectator dis-orientated both in space and in time.
The main thing that Eléonore succeeded with in her work - is the ability to describe the present in a way that any viewer will agree with her point of view. Exact hit in collective unconscious with scrupulous, maximum critical observation makes Montesquiou one of the most significant artists of the program “Ultra-New Materiality.

Enquêtes sur le réel, Mo Gourmelon, 2006

2009-01-14T06:08:00.000-08:00

Enquêtes sur le réel
Mo Gourmelon
pointligneplan
mai 2006

Eléonore de Montesquiou attise au cœur de ses vidéos des lumières blafardes traversées de silhouettes diaphanes. Ce modelé vaporeux et identifiable au fil des propositions successives déréalise toute prise de vue et fait planer une atmosphère indéterminée. Même si chaque film s’esquisse dans un contexte précis, la qualité de l’image module délibérément un hors temps, délocalise l’espace géographique initial pourtant mesuré. À l’origine de la plupart de ses films Eléonore de Montesquiou mène une enquête. Des individus interrogés dans une proximité instaurée par l’artiste se confient sur un sujet précis. Ces enregistrements très précieux en raison de leur valeur de témoignage mais aussi des différents timbres de voix participent à la matière sonore préalable. Des mots, des fragments extraits de ces entretiens, des phrases parfois réécrites et confiées à une autre voix, des captations sonores ambiantes, des arrangements musicaux s’entretiennent. Une façon pour l’artiste de se maintenir perpétuellement aux aguets, en alerte, au gré de ses lieux de résidences ou de ses déplacements. Une façon de considérer l’ailleurs sans se laisser aveugler par le dépaysement et en gardant toujours à l’esprit les interrogations d’ici. Puis les images sont posées sur cette bande sonore. Et même si celles-ci nous ravissent ; rarement elles priment dans l’intention de l’artiste. Au cours du montage, aucun participant ne témoigne directement face à la caméra. Les voix et les apparitions à l’image ne se recouvrent pas. Ce léger différé accorde toute l’attention d’un côté aux sonorités vocales et de l’autre façonne un captivant portrait muet. Présences corporelles inscrites dans la durée. Cette application du décalage son/image quasi systématique est un emprunt à Johan van der Keuken. Éléonore de Montesquiou ne cache pas cette influence et la révélation que fut pour elle la découverte de ses films. Elle dévoile ainsi l’assise documentaire des siens. La réalisation de reportages sur les témoins n’est cependant pas visée mais l’approche d’une situation par leur entremise dans un empilement de situations désynchronisées. Si l’artiste se questionne, elle délègue à d’autres le soin d’énoncer leurs considérations. Ainsi le personnel se frotte au collectif, relayé par un contexte élargi historique ou sociétal.

En regard des situations immédiates qui instruisent ses films, Eléonore de Montesquiou opère par décrochages successifs. Sa logique n’est pas événementielle. Dans cette distanciation du réel Olga, Olga, Helena* réalisé en 2005 se révèle exemplaire. À l’origine du film, Helena Zinovieff raconte en français à l’artiste, le périple de sa fuite de Saint-Pétersbourg en 1918 à l’âge de six ans avec sa mère Olga et sa sœur Olga. Ce récit familial et aussi témoignage historique est retranscrit. Si le scénario du film semble ainsi écrit ; l’artiste décide de mesurer cette trame à des prises de vue actuelles de la ville et surtout à l’animation des rues qu’elle perçoit lancinante. Eléonore de Montesquiou ne cherche pas à illustrer un récit individuel et se méfie de trop de proximité. À coller ainsi au réel, elle finirait par s’y aligner. Dès le départ, le procédé de remémoration est donc écarté au profit d’une généralisation et de la mise en perspective d’une vision en devenir. Le temps se distend. Trois jeunes femmes russes lisent en français le texte initial d’un ton monocorde ou plus dramatique. L’extrapolation du déplacement générationnel - la voix d’Helena Zinovieff est celle d’une femme âgée - réfute l’effet réducteur d’un récit autobiographique. À partir d’un exil, c’est la notion d’exil qu’endure le film. Les premières images et les dernières portent le poème mystique d’Alexandre Blok La jeune fille chantait dans le cœur de l’Eglise. Figure emblématique de la Saint-Pétersbourg littéraire pré révolutionnaire, il s’avère la seule concession historique à ce récit filmique tendu vers l’avenir. Au cours d’un premier repérage, l’artiste remarque une fillette vêtue de rouge, absorbée par son jeu, absente au réel ; petite face à la monumentalité de colonnes qu’elle contourne. Cette vision étonnante d’apparition et de disparition est un déclencheur qui sera le fil rouge au sens littéral du terme de la construction du film. Au hasard de ses pérégrinations, la caméra retient tout signe rouge, une figure, un détail vestimentaire, un accessoire… Ces présences insondables captées à leur insu se font le relais contemporain d’un récit qui veut échapper à l’oubli. Cette apparition impromptue de la fillette a régi la forme d’une compilation chromatique. Le rouge du désir, le rouge du sang au moment du basculement de l’évocation des représailles de l’armée russe révolutionnaire. Le film se brouille, car il n’y a pas d’image concevable pour évoquer cela à l’écran. Tout au long du récit Éléonore de Montesquiou déploie des figures lascives, cambrures féminines, courbes tracées à la vespa, mariée flottant sur un piédestal, amazones au trot. Un univers féminin percuté et ramené soudainement à la réalité par l’apparition de soldats. À aucun moment, le film ne cède à l’apitoiement. L’entrée dans la ville et la sortie, attachées aux pensées d’Alexandre Blok, adviennent au crépuscule. Entre temps la traversée urbaine s’étire dans la lumière d’une éclaircie singulière. L’artiste se méfie de la couleur et n’y a recours que si nécessaire. La plupart des films longs sont projetés en noir et blanc bien que tournés en couleur. Au moment de la prise de vue – elle filme beaucoup au hasard et en marchant – elle n’a pas forcément pris la décision de l’utilisation des images. Le noir et blanc veut sortir du temps et de l’espace. Seuls les films plus courts souvent projetés en boucles sont en couleur. Si Olga, Olga, Helena est réalisée en couleur et fait exception – mais le rouge ne pouvait n’être donné que par la couleur - les images sont surexposées. De plus ce n’est pas un hasard si l’artiste choisit comme période de tournage les nuits blanches de Saint-Pétersbourg.

Delta, 2004, inscrite dans une durée est très logiquement réalisée en noir et blanc. La vidéo déroge au procédé habituel de réalisation. Cette déambulation nocturne est une réponse à une proposition de la compositrice estonienne Helena Tulve d’illustrer sa pièce sonore captée et arrangée à la suite d’un voyage dans un pays non localisé du Sud. Tambours, chants d’oiseaux, stridulations battent l’air. Des bruits de surface, domestiques ou brassages de rue, cris d’enfants, rugissements de voitures, klaxons, sifflements gagnent en intensité. Puis l’écoulement progressif de l’eau recouvre tout. Le fleuve gagne la mer. Cette composition sonore est particulièrement sensitive. Ce à quoi va s’attacher Éléonore de Montesquiou. C’est la première fois qu’elle réagit à des sons existants ne lui appartenant pas. Elle ne se déplace jamais sans sa caméra et filme sans arrière-pensées surtout la nuit. L’utilisation d’une caméra légère facilite l’enregistrement d’images, la saisie d’ambiances sans avoir toujours de projet prédéterminé, comme une prise de notes dès que des impressions diffuses surgissent dans un contexte inédit et poreux. Les sons d’Helena Tulve ont été recueillis en plein soleil et étrangement ils rebondissent sur les images nocturnes d’Éléonore de Montesquiou. Elle a en effet combiné des fragments de voyages consécutifs ne retenant que les plus lumineux et les plus oniriques. Images et sons s’accompagnent contrairement à Olga, Olga, Helena dans laquelle les images sont venues compléter le son. L’identification précise des lieux traversés a été gommée. L’étirement de la nuit est éclairé par les visions de l’artiste. Aucune percée dans le paysage ; au mieux des sols foulés au pied en saccades par des gens affairés, des joueurs de boules ou de football. L’agitation est dans l’air. D’emblée elle a vu se profiler une foule de tous âges. Le film débute sur une piste d’aéroport désertée. Des tambours et des cris incantatoires planent comme un appel. Le rythme s’accélère. La caméra nous entraîne dans un trafic urbain et saisit au passage certains visages en réduisant la distance focale. On s’attarde un peu en croisant des regards et la cadence reprend. Ralentis et temps réels se mêlent. Une fillette danse et se détache. Des volutes de sensualités se dessinent jusqu’à l’apogée de l’apparition du cheval blanc et de la funambule en contre-plongée. La vidéo bascule dans le rêve, l’image se blanchit à l’extrême, se ralentit, se dissout dans un baiser quasi subliminal. Le son de l’eau abstrait les corps. Et le film revient à son point de départ, la piste d’aéroport déserte. Atterrissage ou décollage imminents qui nous feraient douter de cette fantastique traversée.

Tous les films d’Eléonore de Montesquiou ne s’abandonnent pas à une telle abstraction. En 2005/2006 elle réside en Estonie à Tallinn, l’occasion pour elle d’élaborer un vaste projet circonstancié. « Atom Cities : Paldiski - Sillamäe » s’ancre dans l’histoire récente de ce pays. En effet de 1944 à 1991, l’Estonie se retrouve sous domination soviétique. Les villes côtières de Paldiski et Sillamäe se développent autour d’une économie entièrement consacrée à la recherche et l’exploitation nucléaires. La première regroupe scientifiques et ouvriers soviétiques travaillant à l’extraction d’uranium en vue de l’élaboration d’une bombe atomique. La seconde, dévolue à la fabrication de sous-marins nucléaires, est occupée par des militaires soviétiques. Sillamäe et Paldiski étaient des villes totalement closes, y compris aux Estoniens. Elles n’étaient même pas répertoriées sur les cartes toujours falsifiées du pays. En 1991, date de l’indépendance de l’Estonie, l’économie des deux villes bascule brutalement. Elles s’ouvrent sans transition à l’économie capitaliste. L’armée russe se retire de Paldiski et l’usine de Sillamäe ferme. Du jour au lendemain les Russes qui étaient jusque-là majoritaires et qui vivaient avec un niveau de vie supérieur aux Estoniens et aux Russes de leur pays d’origine se retrouvent sans travail. Ils n’ont pas tous le même statut tributaire de leur passeport. Ceux qui ont gardé la nationalité russe ont un passeport rouge. Ceux qui ont appris l’Estonien et en ont acquis la nationalité possèdent un passeport bleu. Mais la majorité au passeport gris est apatride. Ils ne parlent pas la langue officielle du pays et ne sont donc pas ou peu intégrés à la nouvelle organisation socio-économique. Leurs parents sont originaires de toute l’Union Soviétique, mais l’Estonie est leur lieu de naissance et donc leur pays. Eléonore de Montesquiou décide de mettre à jour la complexité de ce contexte. Elle projette la réalisation d’un portrait de Paldiski et Sillamäe à travers des récits de leurs habitants. De longs entretiens sont réalisés et retranscrits en vue d’une publication. Deux films noir et blanc ajustent à ses prises de vue une pièce sonore commandée à des compositrices. Pour Olga, Olga, Helena, Éléonore de Montesquiou suivait un fil rouge lui dictant une forme. Paldiski, 2006 saisit la manière dont les gens se déplacent dans la ville, leurs mouvements et leurs attitudes. C’est comme si elle cherchait à recueillir des traces et se laissait aller à la digression qui ajourne toute forme de conclusion. Dans cette multiplication du temps, la compositrice Liis Jürgens a su jouer de la déconnection de voix de l’intérieur (cérémonie de rentrée de classe dans des écoles russe et estonienne, par exemple) et d’images extérieures (des enfants qui déambulent…) Pendant que la caméra s’attache aux passants ; des sons cristallins, des vibrations d’eau, une clarinette, des paroles russes ou estoniennes surnagent. Dans cette ville de nulle part et à l’urbanisme incertain ; la délocalisation, l’intemporalité sont poursuivies.

Éléonore de Montesquiou a parfaitement conscience de susciter une polémique en Estonie en donnant directement ou indirectement la parole aux Russes ; c’est-à-dire aux anciens occupants. Des vidéos plus courtes et en couleur mais tout aussi composées s’avèrent des instants fugaces, encore plus instables. Portraits d’individus, elles ménagent une certaine immédiateté. Katrin, 2006 ; une adolescente née à Tallinn de père estonien et de mère russe confie le déchirement de l’incarcération de sa mère, le tiraillement de son identité et finalement son installation avec celle-ci à Sillamäe où elle retrouve la familiarité de la communauté russe. Katrin n’apparaît pas à l’image. Un bras, une main ponctuent furtivement sa marche, accompagne sa respiration, ses hésitations. Sa voix mélodieuse et plaintive émerge de l’obscurité. Dans un sous-bois bleuté, les arbres défilent lentement et à l’envers. Dans ce décrochage par rapport au contexte immédiat, l’inversion discrète de ces arbres participe à une indécision envoûtante des points d’ancrage. Le ralenti de l’image et le témoignage intact s’accordent sur la fusion impalpable de deux rythmes parallèles. Le végétal et la voix se lient dans une correspondance, un glissement continu de l’image. La résolution fine de ce témoignage flottant dans une distorsion temporelle et spatiale confirme que la poésie naît d’une perte qu’elle voudrait transmuer en une plainte consolatrice. Seule, sans autre témoin que l’artiste, Katrin peut se laisser aller à l’émotion. L’approche des adolescents dans KESK, 2006, est tout autre. (Kesk, centre en estonien car la ville de Sillamäe est desservie d’une unique rue centrale). Ils sont filmés tout d’abord en groupe et affichent une certaine défiance. Certains s’en détachent et livrent un témoignage unilatéral de désoeuvrement et de repli communautaire. Tenus à l’écart par les Estoniens, ils s’isolent et prétendent en crânant un peu boire et fumer à longueur de journée. Un jeune Russe nomme un Estonien « kurat » (diable), tout en se sentant lui-même aussi Estonien. Tout le dilemme de leur identité se pose là. Une légère désynchronisation est instaurée entre l’apparition des visages et l’audition de leurs paroles. Ce léger décalage donne encore plus corps à des individus habituellement relégués à des pourcentages. Si Éléonore de Montesquiou mène une enquête et réunit des informations avant la réalisation de ses films, aucune indiscrétion, ni directive ne percent. La réalité d’un contexte si âpre soit-il bascule indéniablement dans un autre espace plus indécis, irrésolu et moins consensuel. C’est comme si ses enquêtes préalables sur le réel sans aucune dénaturation s’amortissaient dans un irréel.

Mo Gourmelon

* Olga, Olga, Helena, 2004 est une production de l’Espace Croisé. Une édition accompagne la réalisation de ce film. Olga, Olga, Helena, éditions Espace Croisé, Roubaix, 2005. 48 p., 17 x 24 cm, d’après des textes d’Alexandre Blok, une conversation avec Helena Zinovieff, français/russe, 19 Ill. couleur.

Mo Gourmelon (English translation)

2009-01-14T06:07:00.000-08:00

Mo Gourmelon
revue pointligneplan
may 2006

In her videos, Éléonore de Montesquiou fans the flame of bleak lights soaked through by diaphanous figures. This hazy relief noticeable in the filmmaker’s successive works de-realizes all takes and makes an indefinite atmosphere loom over the horizon. Though each movie opens up in a definite context, the image quality deliberately adds a kind of timelessness while delocalizing the initial geographical space, though it has already been spotted. Most of Éléonore de Montesquiou’s films are rooted in an investigation. In a very intimate setting imposed by the artist, individuals open themselves up to an emotional discussion on a specific topic. Those priceless recordings – because of their value as testimonies and also of the many different voices – participate in the preliminary sound matter. Words, fragments taken from those interviews, sentences sometimes written again and passed on to another voice, ambient sound recording, musical arrangements converse with each other. A way for the artist to constantly keep on the lookout, whether at home or when traveling. A way to consider other places without being blinded by the interrogations at work here. Then the images are put up against this soundtrack. And, as bewitching as they may be, they are rarely of prime importance to the artist. After the editing, not a single participant makes his/her testimony facing the camera. Voices and appearances on-screen are no longer synchronized. On the one hand, this slight time-lag casts light on the vocal intonations and, on the other hand, it shapes an enthralling speechless portrait. Bodily presence carved in duration. By applying this discrepancy between sound and image so systematically, Éléonore de Montesquiou borrows from Johan van der Keuken. She does not deny this influence nor the epiphany she had when discovering his films. Thus, she reveals on which documentary bedrock hers are seated. However, she did not aim at making reports about witnesses but rather at understanding a situation thanks to their intervention in a stack of desynchronized situations. Although the artist asks herself questions, she leaves it up to others to express their point of view. Thus the personal blends with the collective, replaced by a widened historical or societal context.

Compared to the immediacy of the situations giving birth to her films, Éléonore de Montesquiou can be said to act through successive withdrawals. Her logic is not based on the event. Directed in 2005, Olga, Olga, Helena* is an excellent example of this distance between her work and reality. This film takes root in Helena Zinovieff’s relating to the artist her flight from Saint-Petersburg in 1918 at age six with her mother, Olga and her sister, Olga. This family tale, which has the quality of a historical testimony, is transcribed here. If the scenario seems to be based upon this storyline, the artist decides to confront this plot with current-day takes of the city and, above all, to the monotonous pace of life there. Éléonore de Montesquiou does not intend to illustrate an individual narrative and is wary of excessive closeness. If sticking to reality, she could end up abiding by its requirements. From the beginning, she has rejected the remembrance process and instead she chose to favor generalization and to put into perspective a “vision in progress”. Time carries on. Three young Russian women read the initial text aloud in French with a single – more tragic – chord. Taking this beyond the generation gap – Helena Zinovieff’s voice is that of an old lady – is a means to reject the belittling effect of an autobiographical narrative. Drawing its inspiration from one specific exile, the movie is imbued by the generic notion of exile. On the first and last images is written the mystical poem by Alexandre Blok, The Girl Was Singing in a Church Choir. A strong symbol of pre-revolutionary literary Saint Petersburg, it proves to be the only historical concession to this future-oriented cinematic narrative. When) seeking locations for the first time for this movie, the artist notices this little girl dressed in red, engrossed in her game, absent from reality; dwarfed by the hugeness of the pillars she walks around. This surprising vision of the child appearing and disappearing acts as a catalyst and will become the red thread of the movie construction. Wandering randomly, the camera captures any red sign, a figure, a clothing detail, an accessory… These unfathomable appearances sensed without their knowing become the contemporary voices of a narrative that wants to avoid falling into oblivion. The unexpected apparition of the little girl gave shape to the chromatic compilation. The red of desire, the red of blood at the moment when remembering the retaliation of the revolutionary Russian army. The film becomes blurry because no image can evoke this on-screen. During the entire narrative, Éléonore de Montesquiou spreads out lascivious figures, womanly curves, curvatures traced with a Vespa, bride floating atop a pedestal, trotting amazons. A very feminine world hit and abruptly brought back to reality by the apparition of soldiers. The film never gives way to pity. The entrance in the city and the exit, closely linked to Alexandre Blok’s thoughts, occur at twilight. In between, the urban crossing stretches out into the light of a peculiar clearing. The artist is skeptical of color and uses it only when needed. Most of her feature films are projected in black and white although they were shot in color. When doing the takes – she shoots randomly while taking walks – she does not necessarily know how she is going to use which image. Black and white shots strive to break free from time and space. Only her shorter films, often projected in a loop, are in color. Though Olga, Olga, Helena is outstanding because made in color – but how could one render red if not by using color? –, the images are overexposed. Besides, the artist’s choosing to shoot during Saint Petersburg’s sleepless nights is not a mere coincidence.

Delta, 2004, inscribed in duration is, quite logically, made in black and white. The video has freed itself from the usual elaboration process. This night stroll is a reply to Estonian composer, Helena Tulve, who asked Montesquiou to illustrate her sound piece recorded and arranged after a trip to an undefined Southern country. Drums, bird singing, chirring fill the air. Surface noises, domestic noises or hustle and bustle of the street, children shouting, cars roaring, honks and whistling noises grow increasingly intense. And then the water flow gradually drowns everything. The river reaches the sea. This sound composition is particularly sensitive and Éléonore de Montesquiou focuses on this. It’s the first time she has responded to existing sounds which do not belong to her. She never goes out without her camera and shoots freely, without second thought, especially at night. The use of a light camera makes recording images and grasping ambiances without a premeditated intention easier, as if the filmmaker were taking notes when indistinct impressions popped out of the dark in a novel and porous context. Helena Tulve’s sounds were gathered under a glaring sun and here they, quite oddly, bounce against Éléonore de Montesquiou’s night shots. Indeed, she combined consecutive trips and kept only the brightest and most dream-like ones. Images and sounds fuse together unlike Olga, Olga, Helena in which images came to complement the sound. The accurate identity of the places gone through has been erased. As the night is stretching it gets lit up by the artist’s visions. No breakthrough into the landscape; the closest to it would be soil tread upon by busy people, bocce ball or soccer players’ feet. Commotion is in the air. From the very beginning, she sees an all-ages crowd take shape. The movie begins with a deserted airport runway. Drums and chants hang in the air as if calling us. The rhythm speeds up. The camera takes us to a busy urban setting and zooms in on a few faces by reducing the focal length. One lingers on a little bit, striking up eye contact, and the pace is resumed. Slow motions and real time blend in. A young girl dances and stands out from) the crowd. Sensual) wreaths are outlined until the climax, when the white horse and the tightrope walker appear in a low angle shot. The video falls into the realm of dreams, the image fades to white, slows down and dissolves into a nearly subliminal kiss. The sound of the water isolates the bodies. And the film is back to square one, to the deserted airport runway. Pending landing or take-off that could nearly make us doubt this fantastic journey even occurred.

All Eleonore de Montesquiou’s movies do not revel in such abstraction. In 2005-2006, she lived in Tallinn, Estonia, and this gave her the opportunity to develop a broad-scoped and detailed project. Atom Cities: Paldiski - Sillamäe is rooted in the country’s recent history. Indeed, from 1944 to 1991, Estonia found itself under the yoke of the Soviet Union. The seaside cities, Paldiski and Sillamäe, developed around an economy entirely dedicated to nuclear research and exploitation. The former congregated Soviet scientists and labor workers specializing in uranium extraction with a view to developing an atom bomb. The latter, a base for nuclear submarines, was occupied by Soviet soldiers. Sillamäe and Paldiski were entirely closed cities that not a soul could enter, not even the Estonian people. They did not even appear on the ever-falsified maps of the country. In 1991, when Estonia gained independence, the two cities’ economical situation shifted dramatically. Without any transition, they opened up to the capitalistic way of life. The Russian army withdrew from Paldiski and the Sillamäe factory was shut down. Overnight, the Russians who had, up to this day, outnumbered the Estonians and benefited from a life standard superior to theirs and to that of their counterparts in their native country, suddenly lost their jobs. Depending on their passport, they did not all have the same status. Those who had kept the Russian nationality bore a red passport. Those who had learned Estonian and had obtained the nationality bore a blue passport. But most of them, bearing a grey passport, were stateless. They did not speak the official language of the country and were, consequently, not or barely integrated to the new socio-economic deal. Though their parents come from all over the Soviet Union, Estonia was their birthplace, and therefore, their country. Eléonore de Montesquiou set out to shed light upon this extremely complex sociological context. She planned to make a portrait of Paldiski and Sillamäe through their inhabitants’ narratives. Long interviews were conducted and transcribed with a view to be published. Two black and white films tuned in to these takes a soundtrack ordered from women composers. In Olga, Olga, Helena, Éléonore de Montesquiou followed a red thread that imposed a form upon her. Paldiski, 2006, grasps the way people go about in the city, their motions and habits. As if she intended to harvest traces and indulged in digressions, thus making it impossible to come to any kind of conclusion. In this temporal multiplication, composer Liis Jürgens, managed to take advantage of the disconnect between the inner voice (ceremony to celebrate the first day of school in Russian and Estonian schools, for instance) and outer images (children walking up and down…). While the camera dwells upon passers-by, crystal-like sounds, water vibrations, a clarinet, words spoken in Russian and Estonian linger on. In this gropingly urbanized city of nowhere, delocalization and a-temporality are omnipresent. Where are we in Paldiski?

Éléonore de Montesquiou is perfectly aware that she launches a controversy in Estonia by giving directly or indirectly the floor to the Russians; that is to say, to the former occupants. Shorter color videos – as sophisticated as the previous ones, though – act as fleeting, even more unstable moments. Single portraits favor a kind of immediacy. Katrin, 2006; a teenage girl born in Tallinn from a Russian father and an Estonian mother tells about her pain and sorrow when her mother was put in jail, her identity torn apart and eventually her moving in with her mother in Sillamäe where she finds the familiar Russian community again. Katrin does not appear on-screen. An arm, a hand fleetingly punctuate, accompany her breathing, her hesitation. Her melodious and doleful voice emerges from the dark. In a bluish undergrowth, trees slowly scroll by in backward motion. In this discrepancy with the immediate context, the trees’ inconspicuous inversion contributes to a bewitching confusion with regards to anchorage points. The slow motion and the unaltered testimony come together in the impalpable fusion of two parallels. The vegetal and the voice join together in a correspondence, a continuous image shift. The thin transmutation of this testimony floating about in a temporal and spatial distortion confirms that poetry arises from a loss it endeavors to transform into a consoling complaint. Alone, without any other witness than the artist, Katrin can let out her emotions. In Kesk, 2006, the teenagers have a quite a different approach. (Kesk – meaning “center” in Estonian – because Sillamäe has but one single central street). First filmed all together in a group, they show a certain defiance. Some step out and speak out – in a univocal testimony – about their idleness and withdrawal into their own community. Kept aside by the Estonians, they isolate themselves and claim, not without showing off a bit, to drink and smoke all day long. A young Russian calls an Estonian “kurat” (devil) while he also feels Estonian, too. There lies the whole dilemma of their identity. The filmmaker chose to slightly desynchronize the moment when faces appear and the moment when one hears their speeches. This minimal discrepancy is a means to give even more flesh to individuals usually reduced to mere statistics. Though Éléonore de Montesquiou leads an investigation and collects information before starting her movies, no indiscretion nor directive come to the forefront. The reality of a context, as bitter as it may be, inexorably falls into another more indecisive, irresolute and less consensual one. As if her non-distorting preliminary investigations in real life vanished into an unreal dimension.

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* Olga, Olga, Helena (2004) was produced by l’Espace Croisé. Along with this film comes a book: Olga, Olga, Helena, Roubaix: Editions Espace Croisé, 2005, 48 p., 17 x 24 cm, after Alexandre Blok’s texts, a conversation with Helena Zinovieff, French/Russian, 19 colored illustrations.

Biographie

2009-01-14T02:25:00.000-08:00

E L E O N O R E d e M O N T E S Q U I O U

French-Estonian

born 1970 in Paris, lives in Berlin and Tallinn / e-mail : edemontesquiou@arcor.de

e-mail : nagrane@gmail.com / Veteranen st 24 / D-10119 Berlin / Tel : 0049 (0) 30 49914876

D i s t r i b u t i o n

- Arsenal experimental, Berlin : http://www.arsenal-berlin.de

- pointligneplan : http://www.pointligneplan.com/

- Heure Exquise ! : http://www.exquise.org/

F e s t i v a l s a n d e x h i b i t i o n s

2012 REMEMBER, RADIOTEHNIKA in IFFR, International film Festival Rotterdam

2011 PAROLE A LA FEMME in Rencontres Internationales, Centre Georges Pompidou, Paris

2011 KALAMEES, NAINE, GAZETTE in KIFF, Kenyan Internation Film Festival, Nairobi

2011 PAROLE A LA FEMME, Berlinale, Berlin Film Festival, in Forum Expanded section

2011 KALAMEES, GAZETTE, NAINE, in KIFF, Kenya International Film Festival

2011 NAINE, in Ladyfest, Tallinn

2010 KALAMEES in les Rencontres, Museo Reina Sofia, Madrid

2010 LOS CHICOS in Traverse Video, Toulouse, presented by Images Passages

2009 KALAMEES in les Rencontres, Musée du Jeu de Paume, Paris

2009 KALAMEES in short films competition at Ecrans documentaires, Paris

2009 SOVIETS SUPREMES, Lille, Tri Postal, cur. Claire Staebler

2009 KESK in Ramallah 1^st video art Festival in Palestine

2009 KALAMEES – KRENHOLM in videoart at midnight, Kino Babylon, Berlin, cur. Olaf Stüber

2008 KATRIN in Oberhausen Film Festival, selection Heure Exquise!

2008 LOS CHICOS in INTERMEDIAE, Madrid, cur. Maria Morata

2008 TELEVISAO in PUSTO festival, Moskau – Yaroslav, cur. Andrei Parchikov

2008 Instants Vidéo, Paris - Marseille

2008 SILLAMÄE in FAIRPLAY, Lugano, selection officielle

2008 SILLAMÄE in Rencontres Internationales, Museo Reina Sofia, Madrid

2007 le mois du film documentaire, Palais de Beaux-Arts de Lille, selection Heure Exquise!

2007 SILLAMÄE in FIAC cinéma au Palais de Tokyo

2007 NUR in Krasnoyarsk Museum Center, Siberia, Russia, cur. Kathrin Becker

2007 SILLAMÄE in Les Rencontres Internationales, Cinéma Babylon, Berlin and Circulo de Bellas Artes, Madrid

2007 NUR in Videobar, Kino Babylon, Berlin, cur. Katja Albers (NBK)

2007 MINU MAJA in Past continued, minor moments from history, Copenhagen, cur. Angelika Richter

2007 SILLAMÄE in Economies de survie, MACVAL, programmation pointligneplan

2007 SILLAMÄE in Miart, Milan, programmation pointligneplan

2007 the past is in front of you, FRAC Nord Pas de Calais, Dunkerque, cur. Mo Gourlemon

2007 LAAC, Dunkerque, cur. Mo Gourlemon

2006 Pulsar Caracas, Venezuela

2006 TELEVISAO in Izolenta, Dom Kino, St Petersburg, Russia

2005 PAR EXEMPLE, EBENTHAL in WRO 05 media art biennale, Poland

2005 DELTA in “I love video art”, Musée d’art contemporain, Strasbourg, cur. Karine Vonna

2004 DELTA in OFF LOOP, Barcelona

2004 Fiav 04, Milan

2004 PAR EXEMPLE, EBENTHAL in Ecrans documentaires, Paris

2004 SWING, MA DEMEURE, LA PUTAIN ET LA MAMAN, Vidéoformes Parallèles, Clermond-Ferrand

2004 Instants vidéo, Marseille

2004 DELTA in curating the Balkans, Sofia, Bulgarie, cur : K. Vonna

2003 Hors-Circuit, Podewill, Berlin

2003 GLÜCKLICH SIND WIR in Instants Vidéo, Manosque

2003 GLÜCKLICH SIND WIR radiator 002, Nottingham , UK

2003 I PRACTICE Vidéoformes, Clermond-Ferrand

2003 MINU MAJA in Detroit International video festival, Nextmuseum, Detroit

2002 MINU MAJA in Transat Vidéo, contemporary art center of Hérouville St Clair

2002 GLÜCKLICH SIND WIR in Trampoline macht Praterfernsehen, Berlin

2002 MINU MAJA in Documentary Film Festival, Pärnu, Estonie

E x h i b i t i o n s

2011 VABRIK, Antje Wachs Gallery, Berlin

2010 FILM/FABRIK, Centre d’Art Passerelle, Brest, France, with Romana Schmalisch

2010 FOR EXAMPLE, FABRIKA, ProektFabrika, Moscow, with Romana Schmalisch and Olga Jürgenson

2009 screening of KALAMEES and NAINE, Tallinn, Estonia, KUMU Auditorium

2009 NA GRANE, LinnaGalerii, Tallinn and Narva Museuum, Estonia, cur. Reet Varblane

2009 NA GRANE, Sergey Kuryokhin Art Center in Kino Priboy, NCCA, StPetersburg cur. Vika Ilyushkina

2009 KALAMEES, UqBar, Berlin, cur. Antje Weitzel

2008 FORUMAK, Smolny college, Saint Petersburg, Russia

2008 PILOT PROJEKT GROPIUSSTADT, Berlin

2008 DELTA, Moscow contemporary city foundation, Moscow, Russia, cur. Andrei Parchikov

2008 DIE PENDLERINNEN, Magdeburg Museum, Germany

2008 Gallery Antje Wachs, Berlin (with Kristina Inciuraite)

2006 Gallery Zürcher, Paris

2006 Villa du Parc Centre d'art contemporain, Annemasse

2006 Villa Médicis hors les Murs (Poland)

2006 Plattform, Berlin, cur. Ulrike Kremeier

2006 ACR, France Culture, Radio France

2006 ATOM CITIES, Kunstihoone Linna Galerii, Tallinn, cur. Reet Varblane

2005 OLGA OLGA HELENA, Proarte, A. Blok Museum, St Petersburg

and Contemporary Art Centre Espace Croisé, Roubaix

2004 PAR EX. EBENTHAL, French Institut, Vienna, Austria

2004 DELTA, Eté photographique, Lectoure

2004 wenn alles bliebe so wie bisher, Galery Wellerdiek, Berlin

2004 SWING, MA DEMEURE - LA PUTAIN ET LA MAMAN, Gallery Zürcher, Paris

2003 SWING, MA DEMEURE, Hors Champ, Strasbourg, cur. Karine Vonna

2002 JE PLEURERAI DES LARMES DE SANG, Juliane Wellerdiek Gallery, Berlin

2002 LA TOURNÉE, Tokyorama, Palais de Tokyo, Paris

2002 MINU MAJA ON MINU MAA, Kunstihoone Galerii, Tallinn

G r o u p e x h i b i t i o n s

2011 SURVIVAL KIT, Riga, cur. Agnese Luse

2011 My house is in the middle of my street, cur. Jeanne Susplugas, Maison des arts, Malakoff

2011 For Love Not Money, 15th Tallinn Print Triennal, KUMU, Estonia, cur.: Simon Rees

2011 PRECARIOUS STATUS, University of Florida, Gainesville, cur. Clodagh Keogh

2010 SURVIVAL KIT, LCCA Riga, cur. Agnese Luse

2010 TRANSIENT SPACES, Kunstraum Bethanien et NGBK, Berlin, cur Antje Weitzel et Marina Sorbello

2010 MediaForum film festival, MMOMA Moscow, within the presentation of Transitland

2010 Ins Blickfeld gerückt, organized by Gaëlle Boucand und Francisca Würz, Institut Français, Berlin

2010 Le réel, nouvel opium ? Galerie des filles du calvaire, Paris

2010 Blue-Collars blues, Art Center Kunstihoone, Tallinn, cur. : Anders Härm

2009 PLAYTIME...IL EST TEMPS DE JOUER, Centre d’art de S Gaudens

2009 3rd Moscow Biennale, Moscow Museum of Modern Art, cur. Andrei Parchikov

2009 Transitland: Sofia (Goethe Institut), Berlin (CHB), Budapest (Ludwig Museum)

2009 EN VUE….DES MANIERES DE VOIR, Centre d’ art Passerelle, Brest, cur. U. Kremeier

2009 KAUNAS IN ART, Lithuania, cur.: Arvydas Zalpys

2009 Saint Petersburg Biennale, cur. Laurent Mazarguil, Prix de la Biennale pour le film KREENHOLM

2009 MACULA BY RED SHOES BUREAU ON SOUVENIRS FROM EARTH, Palais de Tokyo

2008 ZAPPING UNIT, Ferme du Buisson, cur. Keren Detton et M. Auvity

2008 LAND OF HUMAN RIGHTS, , Graz, Austria

2008 ART RECLAIMS FOREIGN AFFAIRS, Ljublana, cur.

2008 LA VIE MODERNE/revisitée, Centre d’art Passerelle, Brest, France, cur. Ulrike Kremeier

2008 THE SEA IS A STEREO, Gallery MOTIVE, Amsterdam

2007 participation on the web project of Revue Multitudes for Documenta12

2007 Tallinna XIV Graafikatriennaal 2007, Kumu kunstimuuseum (dilpooma award)

2007 UUS LAINE / NEW WAVE, Kunstihoone, Tallinn, cur. Anders Härm & Hanno Soans

2007 C-BOX open source project, w/ Roxane Billamboz, dir. by Marc Veyrat, Centre d’Art de Lacoux

2007 MONUMENTS OF DISCONTENT, 2^nd Moskow Biennale, cur. Lolita Jablonskiene

2006 NAKED LIFE, MOCA Taïpei, Taiwan cur. Manray Hsu & Maren Richter

2006 BEAST OF BURDEN, General Public, Berlin

2006 L’USAGE DU MONDE, MMSU, Rijeka, cur.Ana Janevski

2006 EMERGENCY ROOM, Galerie Olaf Stüber, Berlin, invit. Colonel,

2006 mit allem rechnen, Museum am Ostwall, Dortmund, cur. Inke Arns

2006 HER VUUR VAN IEDERE DAG, Stadsgalerij Heerlen, the Netherlands, cur. Jurriaan Benschop

2005 FEMMES A LA CAMERA, KINOLAB contemporary art centre Zamek Ujazdowski, Warshaw, cur. Georges Heck

2005 (K)EINE GANZ ANDERE WELT, Plattform, Berlin cur. U. Kremeier

2005 MULTIPLACE, Bratislava, cur. Michaela Secanska

2004 KASTALIA, Berlin cur. Jurriaan Benshop

2004 VIDEOESSAYS, ZKM, Karlsruhe

2001 Histoires d'elles, Zürcher Gallery, Paris

2000 Street Project, Ludwig Museum, Aachen, invit. By Jota Castro

C u r a t e d f i l m p r o g r a m m a t i o n s

2010 NCCA Saint Ptersburg

2010 Actovy Zal, ProektFabrika, Moscow, Russia

2009 Sergey Kuryokhin Modern Art Center and NCCA, Saint Petersbourg, Russia

2009 Kunstihoone Linna Galerii, Tallinn, Estonia

2008 Musée Akhmatova, Saint Pétersbourg, Russia

2007 Villa du Parc, Centre d’art contemporain, France

2006 Kunstihoone Linna Galerii, Tallinn, Estonia

2005 Espace Croisé, Centre d’Art Contemporain, Roubaix; France

2005 Proarte, Saint Pétersbourg, Russia

2002 Kunstihoone Galerii, Tallinn, Estonia

G r a n t s

2008 Senat Stipendium, Berlin in: Moscow

2007 KULKA, Estonia

2006 Villa Médicis hors les murs in Polen

2006 Senat Stipendium, Berlin

2005 KULKA, Estonia

2004 aide à l’édition, AFAA

2001 programme à la carte, AFAA, in Estonia

1999 aide à la 1^ère exposition, DAP, Galerie Zücher, Paris

B l o g s

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